Impressionismus1872
Berthe Morisot mit Veilchenstrauß
Édouard Manet
Das Auge des Kurators
"Das zentrale Element ist die brutale seitliche Beleuchtung, die Morisots Gesicht fragmentiert und eine Hälfte im Schatten lässt, während die andere im Licht erstrahlt. Diese technische Wahl betont die Tiefe ihrer schwarzen Augen, die Manet bewusst dunkler malte."
Ein Meisterwerk der Porträtkunst, in dem Manet Berthe Morisot in einer Symphonie aus tiefem Schwarz verewigt und eine seltene psychologische Intensität einfängt. Dieses Gemälde feiert die Komplizenschaft zwischen zwei Hauptfiguren der Moderne.
Analyse
Dieses 1872, kurz nach dem Ende des Deutsch-Französischen Krieges und der Pariser Kommune gemalte Porträt entstand an einem Wendepunkt im Leben Manets und seines Lieblingsmodells. Berthe Morisot, selbst eine herausragende Malerin, wird hier nicht bei der Arbeit dargestellt, sondern als Ikone der Pariser Mode in Trauerkleidung. Manet erkundet die Farbe Schwarz nicht als Abwesenheit von Licht, sondern als lebendige und modulierbare Farbe, ein Erbe seiner Bewunderung für Velázquez und Goya.
Das Werk markiert den Höhepunkt der künstlerischen Beziehung zwischen Manet und Morisot. Zu dieser Zeit war Morisot ein unverzichtbares Mitglied von Manets Kreis geworden, bevor sie zwei Jahre später seinen Bruder Eugène heiratete. Dieses Porträt besticht durch die Schnelligkeit der Ausführung und die Freiheit des Pinselstrichs, was die impressionistische Emanzipation vorwegnimmt, während die für den Künstler charakteristische strukturelle Strenge beibehalten wird. Die Schlichtheit des schwarzen Outfits lässt die Blässe des Teints und den Glanz der Accessoires hervortreten und schafft eine visuelle Spannung zwischen Strenge und Eleganz.
Historische Analysen zeigen, dass dieses Gemälde von vielen, darunter Paul Valéry, als das schönste Porträt angesehen wurde, das Manet je gemalt hat. Es ist eine Studie über „transversales“ Licht, ein radikaler Ansatz, der mit akademischen Porträts bricht, die in diffuses Licht getaucht sind. Indem er das Gesicht zwischen dem Schwarz des Hutes und dem Schwarz des Kragens isoliert, konzentriert Manet die gesamte Lebensenergie des Modells in ihren Zügen und verwandelt eine einfache Sitzung in eine tiefe psychologische Begegnung.
Schließlich zeugt das Werk vom Dialog zwischen der aufkommenden Fotografie und der Malerei. Die Schärfe bestimmter Details, wie der Veilchenstrauß oder die Hutbänder, kontrastiert mit der suggestiven Unschärfe des Hintergrunds. Manet sucht nicht danach, die Realität mit sklavischer Genauigkeit zu reproduzieren, sondern den flüchtigen Eindruck einer Präsenz zu vermitteln – ein Ansatz, der das Wesen der modernen Malerei des 19. Jahrhunderts definiert.
Eines der berühmtesten Geheimnisse dieses Gemäldes betrifft die Augenfarbe von Berthe Morisot. In Wirklichkeit hatte sie grüne Augen, aber Manet entschied sich dafür, sie völlig schwarz zu malen, um ihre Intensität zu steigern und sie mit ihrer Trauerkleidung in Einklang zu bringen. Diese bewusste ästhetische Änderung beweist, dass Manet visuelle Wirkung und emotionale Wahrheit über die strikte physische Ähnlichkeit stellte.
Ein weiteres Geheimnis liegt im Veilchenstrauß selbst. Dieses kleine Detail, das im unteren Brustbereich fast unmerklich ist, ist eine direkte Anspielung auf die damalige Blumensprache, in der das Veilchen Bescheidenheit und geheime Freundschaft symbolisierte. Einige Historiker sehen darin eine diskrete Hommage Manets an Berthes Bescheidenheit, aber auch ein Zeichen ihrer tiefen intellektuellen und emotionalen Bindung, die platonisch, aber leidenschaftlich blieb.
Technische Analysen haben gezeigt, dass Manet eine ganz spezifische Art von Schwarz verwendete, das „Elfenbeinschwarz“, das er in großen Flächen fast ohne Mischung auftrug. Diese technische Kühnheit war riskant, da Schwarz eine Leinwand leicht „auslöschen“ kann. Manet gelingt es jedoch hier, es durch das Spiel mit Texturen leuchtend zu machen: Der Samt des Bandes, die Seide des Hutes und die Wolle des Kleides fangen das Licht auf unterschiedliche Weise ein und schaffen eine monochrome Palette von unendlichem Reichtum.
Schließlich enthält das Gemälde eine Widmung, die durch seine eigene Geschichte verborgen ist. Nach Manets Tod tat Berthe Morisot alles, um dieses Werk beim Atelierverkauf im Jahr 1884 zurückzukaufen. Sie betrachtete dieses Porträt als ihr getreuestes Bildnis, nicht in Bezug auf die Gesichtszüge, sondern in Bezug auf die Seele. Sie bewahrte es bis zu ihrem Tod in ihrem Haus auf, ein Beweis für die emotionale Verbundenheit, die sie für diese spezifische Darstellung ihres Mentors und Freundes empfand.
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Welche bewusste körperliche Veränderung nahm Manet in diesem Porträt an Berthe Morisot vor, um die magnetische Intensität über die meisterhafte Behandlung von Schwarz hinaus zu steigern?
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