Symbolismus1901
Judith I
Gustav Klimt
Das Auge des Kurators
"Das Gemälde zeichnet sich durch die revolutionäre Verwendung von Blattgold und einen zelebrierten Metallrahmen aus, der integraler Bestandteil des Werks ist. Klimt fängt Judith in einem Zustand postkoitaler Ekstase ein."
Judith I ist das glänzende Manifest von Klimts Goldener Phase, in der die biblische Heldin in eine moderne Femme fatale verwandelt wird, die sakrale Erotik mit prächtiger Grausamkeit verbindet.
Analyse
Das Werk greift den biblischen Mythos von Judith auf, der jüdischen Witwe, die ihre Stadt Bethulia rettete, indem sie den assyrischen General Holofernes verführte und dann enthauptete. Traditionell wird Judith als eine Figur der Tugend und des patriotischen Mut dargestellt, keusch und entschlossen. Klimt bricht radikal mit dieser Lesart, indem er die Heldin in eine sexuelle Raubtierin des Wiener Bürgertums verwandelt. Diese semantische Verschiebung ist wesentlich: Das religiöse Opfer verblasst vor dem Trieb nach Tod und Lust (Eros und Thanatos), zentralen Themen des Wien Freuds an der Schwelle zum 20. Jahrhundert.
Expertenanalysen betonen, dass Judith keine ferne Befreierin mehr ist, sondern eine Frau, deren Begehren greifbar ist. Ihre halb geschlossenen Augen und der leicht geöffnete Mund deuten auf ein sinnliches Vergnügen hin, das mit der mörderischen Tat verbunden ist. Klimt verwendet Gold nicht nur wegen seines dekorativen Wertes, sondern als heiligen Schirm, der die Wollust vergöttlicht. Das Haupt des Holofernes, am rechten Rand teilweise abgeschnitten, wird auf eine residuale Präsenz reduziert, fast unbedeutend gegenüber dem triumphierenden Magnetismus der Frau.
Im Kontext der Wiener Secession markiert dieses Bild Klimts Wunsch, angewandte Kunst und Malerei zu verschmelzen. Die Ornamentik ist keine einfache Füllung; sie strukturiert die Psyche der Figur. Die geometrischen und floralen Muster, die Judith umgeben, schaffen eine byzantinische Atmosphäre und verwandeln das Porträt in eine moderne Ikone. Es ist eine Feier weiblicher Macht, die die patriarchale Gesellschaft von 1901 ebenso erschreckte wie faszinierte.
Die Behandlung des Fleisches, mit einem frappierenden Realismus und einer fast kränklichen Blässe, kontrastiert heftig mit der zweidimensionalen Abstraktion des Goldes. Diese Dualität zwischen dem greifbaren Körper und dem immateriellen Hintergrund verstärkt den mystischen und zeitlosen Aspekt der Szene. Judith gehört sowohl zum antiken Mythos als auch zum zeitgenössischen Wiener Salon und macht sie zu einer universellen Figur der männlichen Faszination für die "Femme fatale".
Schließlich hinterfragt das Werk die Moralität von Gewalt, wenn sie mit Schönheit verbunden ist. Klimt urteilt nicht über Judith; er verherrlicht sie. Er macht sie zur Göttin einer neuen ästhetischen Religion, in der Sünde und Heiligkeit verschmelzen. Es ist diese grundlegende Ambigüität, serviert mit einer Goldschmiedetechnik, die Judith I ihren Platz als absolutes Meisterwerk des europäischen Symbolismus verleiht.
Das erste große Geheimnis dieses Werks liegt in der Identität des Modells: Adele Bloch-Bauer. Als Mitglied der Wiener Gesellschaft war sie die einzige Frau, die Klimt offiziell zweimal malte. Jahrzehntelang blieb die Identität des Modells für Judith I offiziell anonym, um Skandale zu vermeiden, da es gesellschaftlich inakzeptabel war, eine Adlige als nackte und mörderische biblische Heldin darzustellen.
Ein weiteres Geheimnis betrifft die anhaltende historische Verwechslung zwischen Judith und Salome. Trotz der auf dem Originalrahmen eingravierten Aufschrift "Judith" beharrten das Publikum und sogar einige Kunstkritiker lange Zeit darauf, das Gemälde "Salome" zu nennen. Dieser Fehler war nicht trivial: Salome, die das Haupt von Johannes dem Täufer forderte, wurde als die böse Figur par excellence wahrgenommen, während Judith rein bleiben sollte. Indem die Wiener Gesellschaft dieses Werk Salome nannte, versuchte sie, Klimts Judith für ihre Unanständigkeit zu "bestrafen".
Der Rahmen selbst verbirgt eine tiefe künstlerische Absicht. Er wurde vom Bruder des Malers, Georg Klimt, aus Kupfer gefertigt und ist nicht nur eine bloße Einfassung, sondern eine Erweiterung des Gemäldes. Die in das Metall gravierten Muster setzen die Themen des Werks fort. Er ist eines der besten Beispiele für das von der Secession propagierte Ideal des "Gesamtkunstwerks", bei dem das Kunstobjekt die Grenzen des Chassis überschreitet, um den physischen Raum des Betrachters zu besetzen.
Klimts Verwendung von Gold verbirgt auch eine Hommage an seinen Vater, der Goldschmied und Metallgraveur war. Diese Rückkehr zum kostbaren Material nach seiner Reise nach Ravenna, wo er von byzantinischen Mosaiken geblendet wurde, ist eine Suche nach weltlicher Spiritualität. Das Gold dient dazu, Judith in einer Welt zu isolieren, die nicht mehr die unsere ist, einem Reich ästhetischer Unsterblichkeit, in dem Holofernes' Tod zu einem ornamentalen Detail wird.
Schließlich haben Röntgenanalysen unter den Schichten von Farbe und Gold die Präzision von Klimts anatomischer Zeichnung enthüllt. Obwohl die endgültige Darstellung durch das Ornament flach erscheint, ist Judiths Körper mit klassischer Strenge konstruiert. Das Geheimnis ihrer fast hypnotischen Präsenz liegt in diesem perfekten Gleichgewicht zwischen der soliden fleischlichen Struktur und der dekorativen Auflösung, die sie umgibt.
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