Fauvismus1910
Der Tanz
Henri Matisse
Das Auge des Kurators
"Das dionysische Rot der Körper hebt sich vom Azurblau des Himmels und dem Grün des Hügels ab. Beachten Sie den unterbrochenen Kreis unten links: Diese Leere lädt den Betrachter ein, am Tanz teilzunehmen."
Als Ikone der Moderne verkörpert diese monumentale Leinwand die Apotheose des Fauvismus. Durch drei Primärfarben und fünf Körper in Bewegung fängt Matisse die primitive Essenz des Lebens und des universellen Rhythmus ein.
Analyse
Die stilistische Analyse von *Der Tanz* offenbart Matisse' Bestreben, den Ausdruck bis zum Archetyp zu vereinfachen. Das Werk wurde vom russischen Sammler Sergei Schtschukin für seinen Moskauer Palast in Auftrag gegeben und entstand in einem Kontext des radikalen Bruchs mit dem akademischen Naturalismus. Matisse nutzt den "fauvistischen" Stil nicht, um eine optische Realität zu beschreiben, sondern um pure Emotion zu übersetzen. Die Wahl von nur drei Farben — Rot für das Fleisch, Blau für den Kosmos und Grün für die Erde — reduziert die Welt auf ihre elementaren Bestandteile. Diese Ökonomie der Mittel ist eine Suche nach dem Absoluten, bei der die Farbe zur Struktur des Raums wird.
Der mythologische und historische Kontext schöpft aus den Quellen der Antike und des Primitivismus. Matisse ließ sich von den Dorftänzen in Collioure inspirieren, transzendierte sie jedoch, um antike Bacchanalien und das Goldene Zeitalter heraufzubeschwören. Es gibt eine direkte Resonanz zum Mythos von Dionysos, dem Gott des Rausches und der kollektiven Ekstase. Die Körper haben keine individuellen Züge; sie sind Lebenskräfte, generische Entitäten, die die urzeitliche Verbindung zwischen Mensch und Natur feiern. Die Psychologie des Werks ist die der Selbstaufgabe: Die Tänzer verlieren ihre Individualität im Rhythmus der Gruppe.
Matisse' Technik beruht auf einer außergewöhnlich geschmeidigen Linienführung, bei der die Kontur von der Bewegung der Körper diktiert zu sein scheint. Die Farbe wird in großen flachen Flächen (aplats) aufgetragen, ohne Modellierung oder Helldunkel, wodurch jede traditionelle Tiefe aufgehoben wird. Diese radikale Flachheit schockierte die Zeitgenossen im Jahr 1910, befreite die Leinwand jedoch davon, ein Fenster zur Welt zu sein, und machte sie zu einer autonomen dekorativen Fläche. Der Künstler versucht, das "Wesentliche" zu erreichen, indem er überflüssige Details eliminiert.
Schließlich muss das Werk als Herausforderung der Vertikalität verstanden werden. Matisse destabilisiert den Horizont: Das Grün des geschwungenen Hügels scheint ein Teil eines rotierenden Erdballs zu sein. Dieses Gefühl der fortwährenden Bewegung wird durch die vibrierende Intensität der Komplementärfarben verstärkt. Das Rot scheint auf den Betrachter zuzukommen, während das Blau zurückweicht, wodurch eine räumliche Atmung entsteht, die der Leinwand ihre Monumentalität verleiht. Es ist eine visuelle Meditation über Brüderlichkeit.
Eines der faszinierendsten Geheimnisse liegt in der ursprünglichen Farbpalette. Jüngste Analysen haben ergeben, dass das Rot der Körper ursprünglich näher am Zinnober lag, Matisse die Farbtöne jedoch überarbeitete, um dieses brennende Rotocher zu erhalten. Ein weiteres Geheimnis betrifft den Bruch des Kreises unten links: Weit entfernt von einem Versehen ist diese Hand, die die andere nicht ergreift, ein psychologisches Instrument. Matisse platzierte sie dort bewusst, um die Perfektion des Kreises zu brechen und eine Spannung zu erzeugen, die die Bewegung nach außen projiziert.
Röntgenanalysen haben gezeigt, dass Matisse zahlreiche Korrekturen der Konturen direkt auf der Leinwand vornahm. Man kann an einigen Stellen noch die "Repentirs" oder Kohlespuren unter der Farbschicht sehen, was beweist, dass diese scheinbare Einfachheit das Ergebnis harter Arbeit am Gleichgewicht ist. Zudem wurde das Originalwerk im Salon d'Automne 1910 ausgestellt, wo es mit Gelächter und Beschimpfungen aufgenommen wurde; die Kritik nannte es eine "kakophonische Schmiererei". Schtschukin selbst hätte den Kauf fast abgebrochen.
Ein intimeres Geheimnis verbindet dieses Werk mit der Musik. Matisse spielte jeden Tag Violine und betrachtete seine Malerei als Musikpartitur. Man sagt, der Rhythmus des Reigens sei eine visuelle Umsetzung von Strawinskys *Le Sacre du Printemps*. Die Analogie zwischen der durchgehenden Linie und der Melodie steht im Zentrum seines kreativen Prozesses. Schließlich zeigt das Gesicht der Figur ganz links eine Verzerrung, die extreme körperliche Anstrengung suggeriert – ein Hauch von brutalem Realismus.
Das Schicksal des Werks ist romanhaft. Während der Russischen Revolution wurde die Sammlung Schtschukin verstaatlicht. *Der Tanz* wurde versteckt und fast vergessen, bevor er als Säule der modernen Weltkunst wiederentdeckt wurde. Sein Überleben des Sowjetregimes, das "formalistische" Kunst verurteilte, grenzt an ein Wunder. Heute offenbaren Mikrorisse im Blau die Zerbrechlichkeit der Pigmentschicht, eine ständige Herausforderung für die Restauratoren der Eremitage.
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Was stellen die drei dominanten Farben (Blau, Grün, Rot) in diesem Werk dar?
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