Impressionismus1866

Der Pfeifer

Édouard Manet

Das Auge des Kurators

"Die revolutionäre Behandlung des Hintergrunds, der ohne Horizontlinie und räumliche Anhaltspunkte auskommt, stellt Manets kühnste Geste dar. Die Figur scheint in einem unbestimmten Raum zu schweben, eine Technik, die von japanischen Holzschnitten und den Hofporträts von Velázquez inspiriert ist. Dieses räumliche Vakuum zwingt den Blick, sich ausschließlich auf die physische Präsenz und die farblichen Kontraste des Modells zu konzentrieren."

Eine Ikone der Moderne, in der Manet seinen Stil radikalisiert, indem er einen jungen Musiker der kaiserlichen Garde vor einem leeren, monochromen Hintergrund platziert. Dieses Werk skandalisierte den Salon von 1866 durch das Fehlen der traditionellen Perspektive und die "flache" Behandlung der Figur. Es ist die Bestätigung einer Malerei, die von der Erzählung befreit ist, um ein reines visuelles Objekt zu werden.

Analyse

Der Pfeifer stellt einen Jungen des 1. Regiments der kaiserlichen Gardegrenadiere dar, der Manet von Kommandant Lejosne geschickt wurde. Das Werk fällt in eine Übergangsphase, in der Manet, tief geprägt von seiner Spanienreise, versucht, die Unmittelbarkeit der Vision zu übersetzen. Indem er die subtilen Abstufungen des Chiaroscuro ablehnt, erzwingt er flache, lebhafte Farben, die die Form auf das Wesentliche vereinfachen. Dieser Ansatz wurde von seinen Zeitgenossen als Beleidigung des akademischen "guten Geschmacks" empfunden, der illusionistische Tiefe verlangte. Zola, ein glühender Verfechter Manets, war einer der wenigen, die verstanden, dass dieser "Mangel an Relief" eine Suche nach optischer Wahrheit war. Der Maler versucht nicht, eine Geschichte zu erzählen oder eine militärische Tugend zu verherrlichen, sondern das Licht so einzufangen, wie es auf eine farbige Oberfläche trifft. Das Sujet wird zum Vorwand für die malerische Übung: Die Textur des roten Tuchs der Hosen, der Glanz der weißen Borte und das Leuchten des schwarzen Leders der Schuhe sind die eigentlichen Protagonisten der Leinwand. Der Einfluss von Diego Velázquez ist hier von entscheidender Bedeutung, insbesondere das Porträt von "Pablillos de Valladolid". Manet schrieb während seines Aufenthalts im Prado an Baudelaire, dass dies das erstaunlichste Stück Malerei sei, das er je gesehen habe, und präzisierte, dass "der Hintergrund verschwindet; es ist die Luft, die den Kerl umgibt". In "Der Pfeifer" treibt er diese Intuition auf die Spitze: Luft wird nicht mehr durch atmosphärische Nuancen dargestellt, sondern durch ein Fehlen von Dekor, das die Figur trotz ihrer geringen Größe monumental macht. Schließlich markiert das Werk die Geburt des modernen Blicks. Indem er ein "banales" Thema mit der Würde eines königlichen Porträts behandelt, untergräbt Manet die Hierarchie der Gattungen. Er kündigt damit den Impressionismus und später die Abstraktion an, indem er suggeriert, dass der Wert eines Gemäldes in seiner inneren Struktur und seinen chromatischen Entscheidungen liegt, statt in der Treue zur realen Welt. Der Pfeifer ist ein stilles Manifest gegen Anekdote und Pittoreskes.

Das Geheimnis

Eines der faszinierendsten Geheimnisse liegt in der Identität des Modells. Obwohl tatsächlich ein junger Musiker Modell stand, nutzte Manet die Züge von Victorine Meurent, seinem Lieblingsmodell, das man in "Frühstück im Grünen" und "Olympia" findet, um das Gesicht des Jungen zu verweiblichen oder zumindest zu idealisieren. Diese Vermischung von Geschlechtern und Identitäten ist eine Konstante bei Manet, der es liebte, die Spuren der Darstellung zu verwischen. Das Gemälde wurde vom Salon von 1866 mit einer solchen Vehemenz abgelehnt, dass dies zum Rücktritt von Émile Zola bei der Zeitung L'Événement führte, nachdem er leidenschaftliche Artikel zur Verteidigung des Werks geschrieben hatte. Die Jury bezeichnete das Gemälde als "Jahrmarktsspielzeug" oder "Bilderbogen", unfähig, in dieser Vereinfachung einen bedeutenden ästhetischen Durchbruch zu sehen. Für sie war das Fehlen eines Schlagschattens am Boden (nur angedeutet durch eine leichte Dunkelheit unter den Füßen) ein unverzeihlicher technischer Fehler. Moderne Röntgenaufnahmen der Leinwand enthüllten, dass Manet ursprünglich eine leicht andere Komposition geplant hatte, insbesondere in der Position des Instruments und der Hände. Diese Korrekturen (Pentimenti) zeigen, dass diese scheinbare Einfachheit das Ergebnis mühsamer Synthesearbeit war. Manet suchte die perfekte Linie, die es erlaubte, jedes überflüssige Detail zu entfernen, um nur die grafische Kraft der Silhouette zu bewahren. Ein weiteres Geheimnis betrifft die Farbpalette. Manet begrenzte seine Töne bewusst, um eine maximale visuelle Wirkung zu erzielen: das tiefe Schwarz der Jacke, das leuchtende Rot der Hose und das Off-White des Hintergrunds. Dieser chromatische Minimalismus war damals extrem teuer, da hochwertige schwarze und rote Pigmente mit chirurgischer Präzision aufgetragen werden mussten, um nicht schmutzig zu wirken. Das Ergebnis ist eine Reinheit des Tons, die in der französischen Malerei des 19. Jahrhunderts ihresgleichen suchte.

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Welches spezifische Werk von Velázquez, das Manet im Prado-Museum bewunderte, inspirierte direkt das radikale Fehlen von Dekor und den Effekt des Eintauchens in "die Luft" beim Pfeifer?

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