Post-Impressionismus1894
Öffentliche Gärten
Édouard Vuillard
Das Auge des Kurators
"Die Verwendung von Leimfarbe (Détrempe) auf freier Leinwand verleiht dem Werk ein einzigartiges mattes und samtiges Aussehen, das an Fresken erinnert. Diese Technik ermöglichte es Vuillard, das Werk in die Wand zu integrieren, anstatt es als isoliertes Gemälde zu behandeln."
Diese Serie von neun Paneelen, ein monumentaler Auftrag für den Salon von Alexandre Natanson, revolutionierte das moderne Dekor. Vuillard verschmilzt die Beobachtung des Pariser Alltags in den Tuilerien mit einer Ästhetik, die von mittelalterlichen Wandteppichen und japanischen Holzschnitten inspiriert ist.
Analyse
Die Öffentlichen Gärten markieren den Höhepunkt von Vuillards Nabi-Zeit. 1894 beauftragte Alexandre Natanson, Direktor der Revue Blanche, den Maler mit einem Dekor für sein Stadtpalais in der Avenue du Bois de Boulogne. Vuillard wählte ein damals sehr modisches Thema: das Leben in den Pariser Parks, genauer gesagt im Jardin des Tuileries. Die Analyse dieser Paneele offenbart den Wunsch, mit dem impressionistischen Naturalismus zu brechen und eine synthetische und dekorative Vision zu bevorzugen, in der Kinder- und Kindermädchenfiguren zu in die Natur integrierten Motiven werden.
Das Projekt ist Teil einer Neudefinition der Rolle der Kunst im häuslichen Raum. Für die Nabis gab es keinen Unterschied zwischen "hoher Kunst" und "angewandter Kunst". Indem er einen Salon in eine imaginäre Erweiterung öffentlicher Gärten verwandelte, schuf Vuillard eine Kontinuität zwischen dem bürgerlichen Interieur und dem städtischen Außenraum. Die Modernität liegt hier in der Ablehnung der Anekdote: Obwohl die Szenen aus dem wirklichen Leben stammen, werden sie mit einer poetischen Distanz behandelt, die sie in Archetypen städtischer Gelassenheit verwandelt.
Der Einfluss der "Mille-fleurs"-Wandteppiche des Mittelalters ist offensichtlich. Wie in "Die Dame mit dem Einhorn" sättigt Vuillard den Raum mit Pflanzenmotiven und Farbtupfern, die die traditionelle atmosphärische Tiefe aufheben. Jedes Paneel fungiert autonom und ist gleichzeitig Teil einer globalen Harmonie. Dieser Ansatz nimmt die Forschungen von Matisse zur Dekoration und jene von Monet für die Seerosen vorweg, bei denen das Werk dazu neigt, den Betrachter völlig zu umhüllen.
Der Künstler erforscht auch die Psychologie der Intimität im öffentlichen Raum. Vuillard, oft als der "Intimist" bezeichnet, überträgt seine Lieblingsthemen (Frauen, Textilien, Muster) in den Garten. Die Silhouetten sind keine Porträts, sondern stille Präsenzen, die im Dekor aufzugehen scheinen. Diese Verschmelzung von Mensch und Pflanze schafft eine Atmosphäre sanfter Melancholie, die für die Jahrhundertwende charakteristisch ist.
Schließlich zeigt die technische Analyse die Bedeutung der Mattheit. Im Gegensatz zu Öl glänzt die Leimfarbe nicht, was störende Reflexionen in einem mit Kerzen oder Gas beleuchteten Innenraum vermeidet. Diese technische Einschränkung wird zu einem ästhetischen Vorteil, der es Vuillard ermöglicht, mit gedämpften Tönen, Ocker und stumpfen Grüntönen zu spielen, die der Serie eine zeitlose Erhabenheit verleihen, fernab vom manchmal künstlichen Glanz der zeitgenössischen Salonmalerei.
Das erste große Geheimnis liegt im ursprünglichen Träger und der Anordnung. Obwohl wir diese Paneele heute in Museen sehen, wurden sie entworfen, um in die Täfelung von Natansons Salon eingelassen zu werden. Der Künstler musste mit der Architektur des Raumes, einschließlich Türen und Ecken, arbeiten, was das ungewöhnliche und sehr vertikale Format einiger Paneele erklärt. Beim Verkauf des Stadtpalais wurden die Paneele herausgerissen und verloren so ihren ursprünglichen räumlichen Kontext.
Ein bedeutendes technisches Geheimnis ist die Verwendung von Hautleimfarbe, eine archaische Methode. Vuillard kochte Kaninchenhautstücke, um einen Leim zu erhalten, den er mit trockenen Pigmenten mischte. Diese Mischung musste während des Malens auf einem Rechaud warm gehalten werden. Wenn der Leim abkühlte, erstarrte er; wenn er zu heiß war, verbrannte er die Pigmente. Es ist diese "heiße" Technik, die diese ganz besondere Körnung verleiht, das Werk aber auch extrem zerbrechlich und unmöglich zu firnissen macht.
Das Werk enthält verschlüsselte Botschaften, die mit dem Kreis der Revue Blanche verbunden sind. Es ist bekannt, dass Misia Sert, die Ehefrau von Alexandre Natanson und Muse der Nabis, in mehreren Paneelen stilisiert dargestellt ist. Ihre Anwesenheit ist eine affektive Handschrift des Künstlers, der heimlich in sie verliebt war. Die Interaktionen zwischen Kindermädchen und Kindern könnten auch als Metapher für die sozialen Spannungen und die Klassenstruktur des späten 19. Jahrhunderts gelesen werden, verborgen unter der scheinbaren Leichtigkeit eines Nachmittags im Park.
Es gibt ein "verlorenes" Paneel oder vielmehr eine modifizierte Version. Ursprünglich hatte Vuillard neun Paneele entworfen, aber die endgültige Anordnung entwickelte sich weiter. Einige vorbereitende Studien zeigen, dass der Künstler die Hintergrundfarben radikal änderte, von einem üppigen Grün zu erdigeren Tönen, um sie mit den Möbeln seines Mäzens in Einklang zu bringen. Diese Unterordnung des Werks unter das Objekt (das Möbelstück) ist ein Fabrikgeheimnis der Nabis, die das Gemälde als Möbelstück des Geistes betrachteten.
Schließlich umgibt diese Leinwände ein Erhaltungsgeheimnis. Da sie nicht gefirnisst sind, absorbieren sie Staub und Verschmutzung irreversibel. Die Restauratoren des Musée d'Orsay verwenden extrem komplexe Trockenreinigungstechniken, um den Hautleim nicht zu reaktivieren. Jeder Eingriff ist ein Risiko, da die Farbschicht so dünn ist, dass sie fast mit den Fasern der Leinwand verschmilzt, was diese Gärten zu Werken macht, die buchstäblich "unter die Haut" gehen.
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Welche technische Besonderheit der Farbschicht in "Öffentliche Gärten" erklärt ihre samtige Mattheit und ihre heutige große Zerbrechlichkeit?
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