Pierrot

Watteaus Pierrot, lange Zeit unter dem Namen Gilles bekannt, wurde um 1718-1719 gemalt und ist ein Werk von monumentaler psychologischer Präsenz. Im Gegensatz zu den üblichen Fêtes galantes des Künstlers drängt sich diese Figur in voller Größe auf und nimmt fast den gesamten vertikalen Raum ein. Watteau lässt sich hier von den Typen der Commedia dell’arte inspirieren, einer Form des italienischen Volkstheaters, das in Paris eine Renaissance erlebte, nachdem es von Ludwig XIV. verbannt worden war. Pierrot ist der naive Diener, derjenige, der den Spott seiner Kameraden erträgt, aber hier überschreitet er seine Rolle und wird zu einer Figur von universeller und stiller Würde. Der Kontrast zwischen der Mittelfigur und der Gruppe im Hintergrund ist frappierend. Unten, in einer kühnen Untersicht, erkennt man die anderen Mitglieder der Truppe: den Doktor auf seinem Esel, Leander und Isabella. Sie sind in einer fröhlichen, fast verschwörerischen Bewegung begriffen, die Pierrots absolute Unbeweglichkeit verstärkt. Letzterer nimmt nicht am Geschehen teil; er wird wie ein Opfer oder ein weltlicher Heiliger zur Schau gestellt. Dieser narrative Bruch versetzt den Betrachter in eine unangenehme Lage und zwingt ihn, sich dem direkten und doch abwesenden Blick des Schauspielers zu stellen, dessen Ausdruck zwischen Staunen und Resignation unentschlüsselbar bleibt. Auf technischer Ebene verwendet Watteau eine Palette von Weißtönen von außergewöhnlichem Reichtum. Das Kostüm ist keine einfarbige Fläche; es ist ein Experimentierfeld für Perlmuttreflexe, graue Schatten und cremige Pinselstriche der Farbpaste. Diese chromatische Virtuosität verleiht dem Gewand eine skulpturale Dimension, die mit der Zerbrechlichkeit des Gesichts kontrastiert. Die Landschaft, die von einer Herme (einer Steinstatue, die einen Satyr darstellt) dominiert wird, bringt einen Hauch von antiker Wildheit und Lüsternheit ein, der der scheinbaren Reinheit der Hauptfigur entgegensteht und einen Dialog zwischen der zivilisierten Ordnung des Theaters und der rohen Natur schafft. Historisch gesehen wurde dieses Werk als geistliches Testament oder als Allegorie des Künstlers selbst interpretiert. Watteau, der zum Zeitpunkt der Entstehung des Gemäldes bereits an Tuberkulose litt, soll seine eigene Einsamkeit in diese Figur eines Gauklers projiziert haben. Das Gemälde markiert einen wichtigen Übergang in der Kunstgeschichte: Es entfernt sich vom barocken Kunstgriff, um eine rohe menschliche Wahrheit zu berühren. Pierrot wird so zum Vorfahren aller Ausgestoßenen und missverstandenen Künstler der folgenden Jahrhunderte, von Baudelaire bis Picasso.