Judith decapitando a Holofernes

La obra se basa en el episodio bíblico del Libro de Judit. Judit, una joven viuda de Betulia, decide salvar a su pueblo asediado por las tropas asirias. Se introduce en el campamento enemigo, seduce al general Holofernes en un banquete y aprovecha su embriaguez para decapitarlo en su propia tienda. Aunque el mito es antiguo, Gentileschi lo reinterpreta a través del prisma del naturalismo radical, transformando un acto de piedad en una escena de lucha encarnizada. Aquí, la decapitación no es un gesto simbólico, sino un trabajo laborioso, sangriento y de una intensidad psicológica excepcional. El análisis del experto subraya que este cuadro es inseparable del trauma personal de Artemisia: su violación por el pintor Agostino Tassi. Al prestar sus propios rasgos a Judit, la artista transforma la escena en una catarsis pictórica. No solo pinta a una heroína bíblica; reclama su lugar en un mundo del arte dominado por hombres demostrando una maestría técnica superior. La sangre que salpica en arcos parabólicos sobre las sábanas blancas no es solo un efecto visual, es la firma de una artista que conoce el dolor y la traición. A diferencia de Caravaggio, que mostraba a una Judit vacilante o distante, Artemisia insiste en la fuerza física necesaria para el acto. La sirvienta Abra ya no es una anciana que espera a un lado, sino una cómplice joven y vigorosa que inmoviliza el cuerpo macizo del general. Esta solidaridad femenina frente a la opresión masculina es un eje central de la obra. El realismo anatómico de los brazos tensos y la presión ejercida sobre la cama atestigua una observación precisa de la física de los cuerpos. El contexto de la Contrarreforma también juega un papel: la Iglesia fomentaba entonces imágenes impactantes para reavivar la fe a través de la emoción. Sin embargo, Artemisia va más allá del encargo religioso para crear una obra de total modernidad psicológica. Explora la frontera entre la justicia y el asesinato, entre la libertadora y la asesina. La tensión es palpable en el contraste entre la noble belleza de Judit y el horror de la ejecución, convirtiendo este cuadro en uno de los más poderosos del siglo XVII. Finalmente, el uso de la luz, un tenebrismo heredado de Caravaggio pero llevado a su paroxismo, focaliza toda la atención en el triángulo formado por los brazos de los tres protagonistas. Esta luz cruda, que parece emanar de una fuente externa invisible, esculpe los volúmenes y acentúa el carácter irremediable del gesto. Es una obra que no deja lugar a la ambigüedad: Judit no se arrepiente de nada; actúa por su supervivencia y la de su pueblo.