Arte abstracto1910
Primera acuarela abstracta
Vassily Kandinsky
El ojo del conservador
"La ausencia total de un sujeto identificable da paso a una coreografía de manchas y líneas, donde cada pigmento parece vibrar según su propia frecuencia musical."
Un acta de nacimiento histórica donde Kandinsky rompe definitivamente con la figuración para liberar el poder espiritual del color. Esta acuarela marca la transición de un arte que describe el mundo a un arte que expresa el alma.
Análisis
Realizada en 1910 según la firma del artista, esta obra es considerada uno de los primeros gestos conscientes hacia la abstracción pura en la historia del arte occidental. Kandinsky, influenciado por sus investigaciones sobre la teosofía y la música de Schoenberg, busca alcanzar una "necesidad interior" que ya no dependa de la reproducción del mundo visible. Postula que el color posee una autonomía propia, capaz de tocar directamente el alma humana sin pasar por el intelecto o el reconocimiento de un objeto.
La obra se inscribe en un periodo de transición donde Kandinsky depura sus paisajes expresionistas de Murnau para conservar solo su esencia emocional. Aún se adivinan a veces, por persistencia de la visión, las formas de colinas o campanarios, pero aquí están disueltas en una tormenta de gestos liberados. El artista no pinta lo que ve, sino lo que siente frente a las fuerzas cósmicas, transformando el lienzo en una experiencia psicológica y espiritual.
El contexto intelectual de esta creación está marcado por la inminente publicación de su tratado "De lo espiritual en el arte". Kandinsky explica allí su teoría de la sinestesia: para él, los colores tienen sonidos y texturas. El amarillo resuena como una trompeta, el azul como un violonchelo o un órgano profundo. Esta acuarela debe entenderse, por tanto, como una partitura visual donde la armonía y el contraste de los tonos crean una resonancia psíquica en el espectador.
Esta acuarela es también un acto de valentía frente a la crítica de la época que consideraba la ausencia de sujeto como simple decoración o locura. Para Kandinsky, es al contrario una elevación del arte hacia su nivel más puro, liberándolo de la "prisión de la materia". Prefigura sus grandes series de "Composiciones" e "Improvisaciones" que redefinirán los límites de la creación visual en el siglo XX.
El mayor secreto de esta obra reside en su datación real. Aunque Kandinsky la firmó como "1910", muchos historiadores del arte sospechan que fue pintada en realidad hacia 1913. El artista podría haberla posdatado para asegurarse la primacía histórica de la invención de la abstracción, un lugar entonces disputado por otros pioneros como Robert Delaunay o František Kupka. Esta pequeña cronológica manipulación no resta mérito al genio de la obra, pero subraya la importancia crucial que Kandinsky otorgaba a su papel de profeta del arte nuevo.
Otro secreto se refiere a la naturaleza misma del soporte. El uso de la acuarela, más ligera y fluida que el óleo, permitió esta espontaneidad casi automática. En aquella época, la acuarela se percibía a menudo como un soporte para estudios preliminares. Al elevar este boceto al rango de obra mayor, Kandinsky rompe también la jerarquía tradicional de las técnicas artísticas, afirmando que la intensidad del mensaje espiritual prima sobre la nobleza del material.
La leyenda cuenta que la iluminación hacia la abstracción le llegó a Kandinsky al entrar en su estudio al anochecer. Vio un cuadro de una "belleza indescriptible, que irradiaba una luz interior" apoyado contra la pared. Al acercarse, se dio cuenta de que era uno de sus propios lienzos colocado al revés. Fue este choque visual, donde el objeto desaparece para dejar lugar solo a la forma y al color, lo que habría desencadenado la creación de esta primera obra abstracta.
A menudo se ignora que Kandinsky conservó esta acuarela preciosamente a lo largo de sus viajes y exilios. Representaba para él un talismán, la prueba material de su "conversión" espiritual a la abstracción. Durante los años de persecución por el régimen nazi, que calificaba su arte de "degenerado", esta obra permaneció escondida, protegiendo la chispa de la revolución visual que había iniciado.
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