Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa

El análisis de esta obra maestra comienza con la identidad de los sujetos: Giovanni di Nicolao Arnolfini, un rico mercader de Lucca establecido en Brujas, y su compañera. Considerado durante mucho tiempo como la celebración de un matrimonio sagrado, el cuadro es interpretado hoy por muchos historiadores como un acto jurídico o un memorial. La precisión de las texturas —del terciopelo del vestido al pelaje del perro— demuestra la invención del óleo moderno por Van Eyck. El mito más persistente es el del embarazo de la dama. En realidad, su silueta redondeada y la mano en el vientre no significan que espere un hijo, sino que corresponden a los cánones de belleza y fertilidad de la época. Van Eyck utiliza este "mito visual" para subrayar el deber de procreación. La habitación es aquí una sala de recepción donde la cama de estado expone el poder financiero de la familia Arnolfini. El espacio pictórico está saturado de simbolismo religioso. La lámpara tiene una sola vela encendida a plena luz del día, simbolizando la presencia omnisciente de Cristo. Los rosarios de cristal y el espejo, símbolo de pureza, refuerzan la idea de que este interior burgués es un templo de virtud. La fusión entre lo profano (el comercio) y lo sagrado es total aquí. La pericia técnica revela una gestión de la luz sin precedentes. Van Eyck utiliza la luz para construir el espacio; la luz difusa de la ventana acaricia las superficies creando sombras suaves. Es una pintura de paciencia, donde la acumulación de capas translúcidas (veladuras) permite alcanzar una profundidad de color que nadie había igualado antes. Finalmente, la obra actúa como un puente entre el espectador y la imagen. Al colocar su firma sobre el espejo, Van Eyck sale del anonimato medieval. Afirma su papel de testigo ocular, transformando la pintura en un archivo histórico vivo. Este cuadro es una ventana abierta a un instante preciso de 1434, donde la pintura se convierte en prueba de la existencia humana.