Sala da pranzo in campagna

Sala da pranzo in campagna segna una tappa fondamentale nella maturità di Pierre Bonnard. Dipinta a Vernonnet, nella sua casa soprannominata "Ma Roulotte", l'opera testimonia la rottura definitiva con il dogma nabi per una pura esplorazione della sensazione colorata. Qui, Bonnard non dipinge un luogo, ma il ricordo di un'emozione visiva. La porta-finestra, motivo ricorrente nella sua opera, funge da soglia metafisica tra due mondi: il comfort ordinato della borghesia e la forza indomabile della natura. Marthe, la sua musa eterna, è appoggiata alla finestra, creando un ponte umano tra queste due sfere. L'analisi approfondita rivela un lavoro sulla luce che non è più impressionista. A differenza di Monet che inseguiva l'istante fuggente, Bonnard ricostruisce la luce in studio a partire dai suoi appunti e dalla sua memoria. Questa luce non è direzionale; sembra scaturire dalla tela stessa. I rossi della parete e della tovaglia non sono solo pigmenti, sono vettori di calore che si oppongono al soffio fresco del giardino. È una pittura di immersione totale dove l'aria sembra palpabile, carica di particelle colorate. Il dialogo tra l'interno e l'esterno è orchestrato con una complessità rara. La finestra non è un semplice taglio, ma una zona di scambio. I riflessi sui vetri, le ombre colorate proiettate sulla credenza e il modo in care il verde del giardino sembra "contaminare" gli oggetti domestici illustrano la visione panteistica di Bonnard. Per lui, tutto è soggetto alla pittura, dal semplice zuccheriera alla maestosità degli alberi normanni. Questa uguaglianza di trattamento tra l'oggetto e il paesaggio è uno dei suoi maggiori contributi all'arte moderna. Il personaggio di Marthe, sebbene in secondo piano, è essenziale per la carica emotiva dell'opera. Non è un ritratto in senso classico, ma una presenza familiare, quasi spettrale, che abita lo spazio. La sua silhouette si fonde cromaticamente nel decoro, rafforzando l'idea di armonia universale. Bonnard esplora qui l'intimità non come chiusura, ma come dilatazione del sé nell'ambiente. Infine, l'opera prefigura le grandi decorazioni della fine della sua vita. La monumentalità del formato e l'audacia delle giustapposizioni colorate (rosso, blu, giallo, verde) annunciano le ricerche di Rothko o Matisse sull'autonomia del colore. Bonnard dimostra qui che la pittura può essere al contempo figurativa nel soggetto e totalmente astratta nella sua forza plastica.