Il Trionfo della Morte

Dipinto intorno al 1562, questo capolavoro si inserisce in un contesto di tensioni religiose e politiche estreme nei Paesi Bassi spagnoli. Bruegel si allontana dalle rappresentazioni individuali della morte per proporre un'apocalisse collettiva. A differenza dei giudizi universali classici, qui non c'è speranza di salvezza: il cielo è nero di fumo, le navi bruciano e la terra è diventata un deserto arido. È una visione puramente secolare dove la Morte è una macchina da guerra implacabile. L'iconografia affonda le radici nel "Triumphus Mortis" italiano, ma Bruegel vi inietta un'inventiva fiamminga unica. Vediamo la Morte cavalcare un cavallo magro, impugnare una falce e guidare legioni di scheletri che usano coperchi di bare come scudi. Ogni gruppo sociale è rappresentato: il re i cui tesori sono inutili, il cardinale sorretto da uno scheletro e gli amanti la cui musica è interrotta dal cigolio delle ossa. È l'illustrazione perfetta dell'uguaglianza assoluta davanti alla morte. L'analisi approfondita rivela una dimensione morale complessa. L'opera funziona come un monumentale "Memento Mori". Bruegel utilizza elementi della cultura popolare e proverbi per sottolineare la follia degli uomini. Gli scheletri non solo giustiziano gli umani; parodiano le loro attività: suonano campane, suonano musica e apparecchiano tavole per banchetti macabri. Questa inversione grottesca del mondo sottolinea il caos totale. Infine, il quadro può essere letto come una cronaca degli orrori della guerra. Gli strumenti di tortura, le ruote d'esecuzione e i patiboli che costellano lo sfondo non sono invenzioni fantastiche, ma realtà dell'amministrazione giudiziaria del XVI secolo. Bruegel trasforma il mito escatologico in un commento sociale di una violenza inaudita, rendendo la Morte l'unico vero sovrano.