Fauvisme1905
Het geluk van het leven
Henri Matisse
Het oog van de conservator
"Let op de totale breuk in schaal tussen de figuren: Matisse verwerpt het enkelvoudige perspectief ten gunste van een emotionele organisatie van de ruimte. De vloeiende lijnen en niet-beschrijvende kleuren creëren een puur picturale ruimte waarin de tijd lijkt stil te staan."
Dit radicale meesterwerk van het fauvisme, een modern Arcadië, vindt perspectief en kleur opnieuw uit om een sensuele en utopische harmonie te vieren. Het is Matisse' gedurfde antwoord op de pastorale traditie en baant de weg voor Picasso's kubistische revolutie.
Analyse
De analyse van dit werk onthult een gedurfde poging om millennia aan kunstgeschiedenis te synthetiseren op één enkel vibrerend oppervlak. Matisse eigent zich de mythe van de Gouden Eeuw of Arcadië toe, een thema dat geliefd was in de klassieke schilderkunst van Poussin of Ingres, maar hij dynamiteert de codes ervan. Hier is de natuur niet langer een decor, maar een organische omgeving die versmelt met de lichamen. De naakten, afgebeeld in verschillende plezierige activiteiten — muziek, dans, omhelzingen — zijn geen portretten maar vectoren van pure emotie, bevrijd van de beperkingen van de academische anatomie.
Dit doek markeert het hoogtepunt van het fauvisme door de verwerping van modellering en schaduw. Matisse gebruikt vlakke gebieden met willekeurige kleuren: de bomen zijn paars of rood, de grond is stralend zonnegeel. Deze "bevrijding" van kleur betekent dat de kunstenaar het licht niet schildert zoals het de objecten raakt, maar zijn eigen interne licht creëert door de nevenschikking van tonen. Het is een ruimte waar sensatie primeert boven representatie, een directe overgang naar de abstractie die de 20e eeuw zou domineren.
De band met de mythe is essentieel: het is een terugkeer naar een oer-onschuld, een antwoord op de galopperende industrialisatie van 1905. Matisse stelt een visueel toevluchtsoord voor, een "Levensvreugde" die ook een politieke verklaring is over de vrijheid van het lichaam en de zintuigen. Elke groep figuren lijkt te evolueren in zijn eigen temporele dimensie, alleen verbonden met de anderen door de arabesk van lijnen die de compositie doorkruisen als een ononderbroken vitale stroom.
Ten slotte kan het historische belang van dit werk niet genoeg worden benadrukt. Toen het in 1906 werd tentoongesteld op de Salon des Indépendants, veroorzaakte het een aardbeving. Het werd gezien als een belediging van de traditie, maar voor de jonge avant-garde was het een openbaring. Het herdefinieerde de rol van de schilder niet langer als een imitator van de natuur, maar als een schepper van werelden. Zonder dit doek zou de dialoog tussen kleur en vorm nooit dit niveau van radicale vrijheid hebben bereikt.
Een van de meest fascinerende geheimen ligt in de felle rivaliteit die dit werk ontketende met Pablo Picasso. Toen Picasso het doek zag in de collectie van de Steins, was hij verbijsterd door de brutaliteit van Matisse. Men beschouwt zijn directe antwoord als de creatie van "Les Demoiselles d'Avignon" in 1907. Picasso wilde Matisse letterlijk "verslaan" op het gebied van de moderniteit, waarbij hij de harmonieuze pastorale van Matisse transformeerde in een agressieve en hoekige deconstructie van het vrouwenlichaam.
Een ander geheim betreft de schildertechniek. Ondanks het vloeiende en spontane uiterlijk maakte Matisse talrijke voorstudies, waaronder een kleinere olieverfversie. Röntgenanalyses hebben onthuld dat de kunstenaar lang heeft geworsteld met de plaatsing van de cirkel van dansers op de achtergrond. Dit motief, dat later een van zijn beroemdste werken zou worden, "De Dans", werd toegevoegd om de cirkelvormige beweging van energie in het hart van het schilderij te verankeren.
De verzamelaar Albert Barnes, die het werk verwierf, was zo beschermend dat hij de toegang tot het doek lange tijd beperkte, waardoor het bijna legendarisch werd door zijn afwezigheid in de klassieke tentoonstellingscircuits. Dit droeg bij aan het aura van mysterie rond het schilderij. Bovendien integreerde Matisse verborgen verwijzingen naar Grieks keramiek en Japanse prenten (Ukiyo-e) in de contouren van de figuren, in een poging een universele taal te creëren die culturen en tijdperken overstijgt.
Een iconografisch geheim schuilt in de twee centrale liggende figuren. Ze worden vaak geïnterpreteerd als een weergave van de versmelting van de seksen of een vorm van oer-androgynie die eigen is aan de mythe van de Gouden Eeuw. Matisse vervaagt doelbewust de geslachten om de universaliteit van menselijk plezier te benadrukken. Deze benadering was bijzonder subversief voor die tijd, omdat het naaktheid loskoppelde van de strikte morele of mythologische context om het te verankeren in puur zintuiglijk genot.
Ten slotte verbergt het kleurenpalet zelf een chemisch geheim. Matisse gebruikte enkele van de nieuwste pigmenten van die tijd, met name cadmiumgeel dat helaas de neiging heeft om na verloop van tijd te oxideren en donkerder te worden. De helderheid die we vandaag zien is, hoewel stralend, slechts een weerspiegeling van de oorspronkelijke gloed van het werk, die Matisse beschreef als een "zonneschok" bedoeld om de toeschouwer te verblinden met pure vreugde.
Word Premium.
OntgrendelenQuiz
Hoe rechtvaardigt Matisse op technisch en iconografisch niveau het gebruik van de vrije arabesk en de radicale vervorming van de schaal in dit werk?
Ontdekken
