O Sonho da Rainha Catarina

Esta obra ilustra uma cena específica do ato IV da peça "Henrique VIII" de William Shakespeare. Catarina de Aragão, a primeira esposa abandonada do rei, está a morrer. No seu sono, é visitada por uma visão celestial de espíritos que lhe trazem uma coroa de louros, símbolo da sua virtude inabalável e da sua futura paz eterna. Fuseli, mestre do "Romantismo Negro", afasta-se das convenções teatrais do seu tempo para mergulhar no onirismo puro. Ele não pinta a decoração de um quarto, mas o espaço infinito da mente, onde a fronteira entre a vida e a morte se apaga em favor do sublime. A análise iconográfica revela uma Catarina representada numa postura de abandono total, contrastando com a rigidez das figuras que a rodeiam. Os espíritos que flutuam acima dela não são anjos tradicionais, mas entidades gráceis influenciadas pelo maneirismo de Miguel Ângelo, que Fuseli admirava acima de tudo. Esta cena é crucial para compreender a transição do neoclassicismo para o romantismo: aqui, a emoção e a visão interior prevalecem sobre a narrativa factual. O pintor capta o instante preciso em que o temporal encontra o divino. Fuseli explora aqui o conceito do "Sublime", tal como definido por Edmund Burke. O medo, a grandeza e o infinito unem-se nesta câmara fúnebre transformada em catedral de luz. A rainha Catarina, embora fisicamente enfraquecida, irradia uma força moral que o pintor traduz através de uma brancura quase incandescente das suas vestes. É um manifesto sobre a dignidade humana perante a injustiça política e matrimonial de Henrique VIII, fazendo de Catarina uma mártir da lealdade. A obra inscreve-se também na tradição da pintura de história, mas com um toque fantástico próprio do artista. Fuseli utiliza o pretexto shakespeariano para explorar os mecanismos do sonho e do inconsciente, muito antes da invenção da psicanálise. Cada figura flutuante parece ser uma emanação dos pensamentos da rainha, criando uma coreografia visual que guia o olhar do espetador do mundo material para as esferas etéreas. Finalmente, o tratamento dos rostos e das mãos é típico do estilo "fuseliano": traços alongados, expressões extáticas e gestos suspensos no tempo. A luz não provém de uma vela ou de uma janela, mas parece emanar dos próprios seres sobrenaturais, criando um contraste violento com as sombras profundas da parte inferior da tela. Esta gestão do claro-escuro reforça o aspeto teatral e sagrado da visão.