Realismo1857
As Respigadoras
Jean-François Millet
O olhar do curador
"O contraste gritante entre a colheita abundante ao fundo e a pobreza das três mulheres em primeiro plano, curvadas para recolher as espigas esquecidas."
Manifesto do realismo social, esta obra sacraliza o trabalho da terra ao elevar três camponesas ao estatuto de figuras heroicas, apesar da dureza da sua condição.
Análise
Apresentado no Salão de 1857, "As Respigadoras" insere-se num contexto de vivas tensões sociais sob o Segundo Império. Jean-François Millet afasta-se dos temas mitológicos tradicionais para se concentrar na realidade bruta do mundo rural. A respiga era então um direito ancestral que permitia aos mais pobres recolher os grãos que ficavam no solo após a colheita. Ao escolher este tema, Millet realiza um ato político que escandalizou a crítica burguesa da época.
A análise mitológica da obra é subtil porque repousa numa "mitificação do quotidiano". Embora a cena esteja ancorada no real, Millet confere a estas mulheres uma estatura quase bíblica, recordando a figura de Rute no Antigo Testamento. A psicologia da obra é marcada por uma resignação digna. Os rostos mal estão esboçados, pois Millet não pinta indivíduos, mas a encarnação da condição humana ligada à terra. O peso do trabalho é palpável na curvatura das costas.
Tecnicamente, Millet utiliza uma paleta de cores terrosas, amarelos ocres e azuis desbotados que unem as trabalhadoras ao solo. A textura da pintura é espessa, quase rugosa, recordando a matéria da terra. A luz do sol poente não consegue suavizar a dureza do gesto. O artista privilegia formas simplificadas e contornos robustos, dando às personagens uma monumentalidade que recorda a escultura antiga, rompendo radicalmente com o acabamento polido do academicismo.
Finalmente, a obra explora a relação entre o homem e o espaço. O fundo é ocupado por uma atividade febril: carroças cheias e imensas medas de feno. Este contraste entre a abundância do proprietário e a escassez do grão respigado sublinha a injustiça social. Millet consegue criar uma obra universal onde a repetição do gesto se torna um ritual sagrado. É uma meditação sobre a sobrevivência e a beleza grave do trabalho manual.
Um dos segredos mais bem guardados reside na modificação radical dos tons por Millet antes do Salão. Análises científicas revelaram que o céu era inicialmente muito mais atormentado. Ao torná-lo mais luminoso, Millet reforçou o aspeto esmagador do calor. Além disso, as reflectografias infravermelhas mostraram que Millet tinha inicialmente previsto incluir mais detalhes nos rostos, antes de os simplificar para atingir uma universalidade simbólica.
Uma anedota histórica marcante é a reação violenta dos críticos: alguns acusavam Millet de preparar os andaimes da revolução. Receava-se que estas figuras massivas incitassem o povo à revolta. No entanto, Millet defendia-se de qualquer militância, afirmando que apenas pintava o que vira toda a vida. Outro mistério envolve o feitor a cavalo: é a única ligação à autoridade, uma silhueta quase espetral que recorda que a ordem social prevalece.
Finalmente, a receção da obra mudou radicalmente com o tempo. Inicialmente desprezada, tornou-se um ícone da República Francesa no final do século XIX para exaltar as virtudes do trabalho. A transição do quadro, percebido primeiro como uma ameaça socialista e depois como um idílio patriótico, constitui uma das reviravoltas mais fascinantes da história da arte.
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