Post-Impressionismus1892
Im Moulin Rouge
Henri de Toulouse-Lautrec
Das Auge des Kurators
"Der auffälligste Aspekt ist das Gesicht von May Milton im Vordergrund rechts, das von unten durch ein gespenstisches grünes Licht beleuchtet wird, das an die Effekte der Gasbeleuchtung und die Entfremdung der Party erinnert."
Dieses postimpressionistische Meisterwerk ist ein ungeschönter Einblick in das Herz des Pariser Nachtlebens und fängt die verhängnisvolle und faszinierende Atmosphäre des berühmten Kabaretts am Montmartre ein. Toulouse-Lautrec stellt seine Freunde und sich selbst mit einer Mischung aus Melancholie und beißender Ironie dar.
Analyse
Im Moulin Rouge ist weit mehr als eine einfache Genreszene; es ist ein psychologisches Gruppenporträt, in dem jede Figur trotz der räumlichen Nähe in ihrer eigenen Einsamkeit gefangen zu sein scheint. In der Mitte, um einen Tisch herum, erkennt man die Stammgäste aus Lautrecs Kreis: den Schriftsteller Édouard Dujardin, die Tänzerin La Macarona sowie die Fotografen Paul Sescau und Maurice Guibert. Ihre Gesichter, gezeichnet von Müdigkeit, stehen im Kontrast zum vermeintlichen Trubel des Kabaretts und unterstreichen die verborgene und oft düstere Seite der Pariser Vergnügungen der Belle Époque.
Der Künstler verwendet eine kühne und saure Farbpalette, die typisch für seinen Bruch mit dem klassischen Impressionismus ist. Das elektrische Grün, das über das Gesicht der Frau im Vordergrund fegt, und die orangefarbenen Reflexe des Holzes erzeugen eine künstliche und erstickende Atmosphäre. Dieses Licht ist nicht natürlich; es symbolisiert Elektrizität und Gas, die Körper und Gesichter nach Einbruch der Dunkelheit verwandeln und den Feiernden das Aussehen tragischer Masken oder Gespenster verleihen.
Das Werk fungiert als soziologisches Zeugnis über den Montmartre, ein Viertel, das sich damals im vollen Umbruch befand. Durch die Einbeziehung realer und identifizierbarer Personen dokumentiert Lautrec die "Bohème" nicht als romantisches Ideal, sondern als greifbare Realität aus flüchtigen Begegnungen und geteilter Melancholie. Das Gemälde fängt genau den Moment ein, in dem die Feier in Langeweile umschlägt – ein Thema, das dem Künstler sehr am Herzen lag, da er diese Etablissements täglich aufsuchte, um seinem eigenen physischen und sozialen Zustand zu entfliehen.
Der Einfluss japanischer Holzschnitte (Ukiyo-e) zeigt sich deutlich in der Behandlung der Formen und der Kühnheit der Bildausschnitte. Lautrec vereinfacht die Silhouetten und verwendet markante Umrisslinien, um die Figuren vom Hintergrund abzuheben. Diese Stilisierung, kombiniert mit einer schnellen und bisweilen nervösen Pinselführung, verleiht dem Bild eine vibrierende Energie. Der Raum scheint sich über den Betrachtern zu schließen und lädt uns ein, an diesem Tisch der prachtvollen Außenseiter Platz zu nehmen.
Eines der am besten gehüteten Geheimnisse des Bildes ist, dass es vom Künstler oder seinem Händler nach der ursprünglichen Entstehung physisch verändert wurde. Ursprünglich war das Gemälde kleiner und endete kurz nach dem zentralen Tisch. Toulouse-Lautrec fügte später einen L-förmigen Leinwandstreifen an der rechten Seite und am unteren Rand hinzu, um die imposante Figur der May Milton einzubeziehen. Diese Änderung veränderte die Dynamik des Bildes radikal und schuf jenes Gefühl des brutalen Eintauchens und des Unbehagens, für das es heute berühmt ist.
Ein weiteres Geheimnis liegt im versteckten Selbstporträt des Künstlers. Wenn man genau in den Hintergrund schaut, sieht man eine kleine Gestalt, die neben einem großen Mann geht. Es ist Toulouse-Lautrec selbst, begleitet von seinem Cousin, Dr. Gabriel Tapié de Céleyran. Es ist eine Art des Künstlers, sich in sein eigenes Universum einzubeziehen, ohne dessen Zentrum zu sein, was seine Position als permanenter Beobachter und diskreter Akteur der Nacht am Montmartre unterstreicht.
Die Frau mit dem grünen Gesicht, May Milton, war eine englische Tänzerin, von deren expressiver Hässlichkeit – nach seinen eigenen Worten – Lautrec fasziniert war. Das Geheimnis hier ist Lautrecs bewusste Entscheidung, sie in den Vordergrund zu stellen, um den Betrachter zu schockieren. Im Jahr 1892 war die Darstellung eines Gesichts, das durch grünes künstliches Licht so "entstellt" wurde, eine Beleidigung der akademischen Schönheitsideale. Es war ein Akt reiner künstlerischer Rebellion, der darauf abzielte, die nackte Wahrheit unter der Schminke zu zeigen.
Es gibt auch eine geheime Verbindung zur Tänzerin Jane Avril, die man von hinten im Hintergrund sieht, wie sie sich vor einem Spiegel die Haare richtet. Obwohl sie einer der Stars des Moulin Rouge war, wählt Lautrec eine anonyme und alltägliche Darstellung. Dieser Kontrast zwischen ihrem öffentlichen Ruhm und dieser privaten Pose verstärkt die Idee, dass das Gemälde die Kehrseite der Medaille erkundet – die menschliche Realität hinter dem Spektakel der Werbeplakate, die Lautrec ansonsten schuf.
Schließlich verbirgt die verwendete Technik ein Herstellungsgeheimnis: Lautrec malte oft "à l'essence", d. h. er verdünnte seine Ölfarben mit Terpentin auf Pappe oder kaum vorbereiteter Leinwand. Dies ermöglichte die matte Wirkung und die leichten Verläufe, die an den Rändern des Bildes zu beobachten sind und dem Werk das Aussehen einer flüchtigen Skizze verleihen, fast wie eine fotografische Momentaufnahme vor ihrer Zeit.
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