Barock1634
Capriccio mit den Ruinen des Forum Romanum
Claude Lorrain
Das Auge des Kurators
"Dieses „Capriccio“ zeugt von Lorrains Meisterschaft in der atmosphärischen Perspektive und verwandelt massive Ruinen in Elemente eines theatralischen Dekors, in dem das Licht zum eigentlichen Thema wird."
Eine poetische Synthese des antiken Roms, in der Lorrain das Forum nicht als archäologische Bestandsaufnahme, sondern als pastorale und melancholische Vision in zeitlosem Licht neu erfindet.
Analyse
Dieses 1634 entstandene Gemälde ist eine der ersten großen Demonstrationen von Claude Gellées, genannt Le Lorrain, Talent für die ideale Landschaft. Obwohl die Monumente identifizierbar sind – man erkennt den Tempel von Castor und Pollux, den Septimius-Severus-Bogen und das Kolosseum im Hintergrund –, nimmt sich der Künstler kühne topografische Freiheiten. Es handelt sich nicht um eine exakte „Veduta“, sondern um eine mentale Rekonstruktion, die die vergangene Größe Roms heraufbeschwören soll. Lorrain verschiebt die Gebäude, um eine perfekte visuelle Harmonie zu schaffen, die typisch für die französische klassische Strömung ist, deren Pfeiler er in Rom ist.
Die vertiefte Analyse zeigt, wie Lorrain das tägliche Leben des 17. Jahrhunderts inmitten dieser kolossalen Überreste integriert. Einfache Leute, Hirten und Reisende tummeln sich am Fuße der korinthischen Säulen und schaffen einen markanten Kontrast zwischen der Ewigkeit des Steins und der Flüchtigkeit des menschlichen Daseins. Diese Gegenüberstellung steht im Zentrum des barocken Denkens: Sie erinnert den Betrachter daran, dass selbst die mächtigsten Reiche am Ende zu Staub zerfallen, während sie gleichzeitig das Fortbestehen der Natur feiert.
Das Licht, Lorrains Markenzeichen, spielt hier eine entscheidende erzählerische Rolle. Im Gegensatz zu den Malern seiner Zeit, die eine Frontalbeleuchtung verwendeten, platzierte Claude seine Sonne oft knapp über dem Horizont und überflutete die Szene mit einer goldenen Klarheit, die die verschiedenen Ebenen vereint. Diese Lichtbehandlung ermöglicht es, den sehr detaillierten und dunklen Vordergrund mit den bläulichen und dunstigen Fernen zu verbinden. Es ist diese Erfindung des „Silberlichts“, die Generationen von Landschaftsmalern von Turner bis Corot beeinflussen sollte.
Historisch gesehen markiert dieses Werk den Moment, in dem die Landschaft aufhört, ein bloßes Dekor zu sein, und zu einem eigenständigen Genre ersten Ranges wird. Lorrain begnügt sich nicht damit, Ruinen zu malen; er malt die Luft, die zwischen ihnen zirkuliert. Jedes Baumblatt, jedes Kapitellfragment ist in eine spürbare Atmosphäre getaucht. Man spürt den Einfluss seiner zahlreichen Freilichtstudien in der römischen Campagna, die er unermüdlich durchstreifte, um die Nuancen von Morgen- und Abenddämmerung einzufangen.
Schließlich erkundet das Werk den Mythos des Goldenen Zeitalters. Indem er Hirten in das Forum setzt, verwandelt Lorrain das politische und juristische Zentrum der Antike in ein modernes Arkadien. Diese idealisierte Vision entsprach der Nachfrage einer internationalen aristokratischen Klientel, die begierig darauf war, einen Teil des römischen Traums zu besitzen, gereinigt von seinem zeitgenössischen Schmutz und verklärt durch die Poesie des Pinsels.
Eines der am besten gehüteten Geheimnisse dieses Werks liegt im „Liber Veritatis“. Claude Lorrain wurde als Opfer seines Erfolgs so oft kopiert, dass er beschloss, ein gezeichnetes Register all seiner Gemälde zu führen, um seine Schöpfungen zu authentifizieren. Dieses Gemälde ist dort unter der Nummer 1 aufgeführt, was die kapitale Bedeutung beweist, die der Künstler ihm von Beginn seiner Karriere an beimaß. Dank dieses „Buchs der Wahrheit“ konnten Kunsthistoriker die Urheberschaft dieses Werks gegenüber den zahlreichen zeitgenössischen Nachahmungen bestätigen.
Eine Röntgenuntersuchung ergab, dass Claude die Position mehrerer Säulen während der Ausführung veränderte. Ursprünglich folgte die Komposition enger der Realität des Geländes. Das Geheimnis der Perfektion dieses Bildes liegt in diesem Übergang vom Realen zum Idealen: Der Künstler hat den Raum zwischen den Ruinen absichtlich „gestreckt“, um mehr Licht durchzulassen – eine architektonische Manipulation, die mit bloßem Auge nicht erkennbar, aber für das Gleichgewicht der Leinwand wesentlich ist.
Ein weiteres verborgenes Detail betrifft die Pigmente. Claude verwendete ein natürliches Ultramarinblau, das extrem teuer war und aus Lapislazuli gewonnen wurde, nicht nur für den Himmel, sondern auch für die Schatten der Ruinen. Diese kühne technische Wahl erklärt, warum das Gemälde fast vier Jahrhunderte später diese einzigartige chromatische Tiefe und dieses kristalline Glitzern bewahrt hat, das Kopien auf Basis minderwertiger Pigmente nie erreichen konnten.
Die Anwesenheit der Figuren ist nicht nur dekorativ. Ikonografische Forschungen legen nahe, dass einige Figurengruppen getarnte biblische oder mythologische Szenen darstellen. Hier sehen einige Experten in den Reisenden im Vordergrund eine diskrete Anspielung auf die Flucht nach Ägypten, neu interpretiert in einem profanen Rahmen. Lorrain verwischte oft die Spuren, um den intellektuellen Anforderungen seiner Auftraggeber gerecht zu werden und gleichzeitig dem Landschaftsbild den Vorrang zu lassen.
Das letzte Geheimnis betrifft die Herkunft des Werks. Obwohl es sich heute im Louvre befindet, reiste es durch die größten europäischen Sammlungen. Es wurde zeitweise vermutet, dass es von einem einflussreichen Kardinal des päpstlichen Hofes in Auftrag gegeben wurde, um als „virtuelles Fenster“ zum Forum aus einem Palast zu dienen, der keine Aussicht darauf hatte. Dies erklärt das imposante Format und die für die Fernsicht berechnete Perspektive, die eine Illusion von zusätzlichem Raum in einer geschlossenen Galerie schafft.
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Welche bedeutende technische Innovation, die für Lorrains „ideale Landschaft“ charakteristisch ist, wird hier eingesetzt, um die architektonische Komposition und den unendlichen Raum zu vereinen?
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