Romantik1850
Dante und Vergil
William Bouguereau
Das Auge des Kurators
"Der Fokus liegt auf Gianni Schicchis wildem Biss in Capocchios Nacken. Diese tödliche Umarmung, bei der sich das Knie des ersten in die Lenden des zweiten bohrt, drückt eine fast tierische physische Kraft aus, die durch die hervortretende Muskulatur betont wird."
Bouguereau fängt einen Moment beispielloser Gewalt im Herzen von Dantes Inferno ein, in dem der erbitterte Kampf zwischen zwei Verdammten zu einem Spektakel aus Muskeln und Wut wird. Dieses meisterhafte Jugendwerk erfindet den akademischen Akt neu.
Analyse
Die Analyse dieses Gemäldes muss mit der literarischen Quelle beginnen: Canto XXX des Infernos aus Dante Alighieris Göttlicher Komödie. Wir befinden uns im achten Kreis, dem der Fälscher und Hochstapler. Der Mythos besagt, dass Gianni Schicchi, ein Florentiner Usurpator, dazu verdammt ist, ewig in rasender Wut umherzuirren. Hier illustriert Bouguereau den Moment, in dem Schicchi sich auf den Alchemisten Capocchio stürzt, um ihn zu verschlingen, unter den hilflosen und entsetzten Augen Dantes und seines Führers Vergil. Dieses Werk markiert einen deutlichen Bruch mit dem anmutigen Stil, den man später mit dem Künstler verbinden sollte; es zeigt seine Fähigkeit, das von Edmund Burke definierte "Erhabene" zu erkunden, eine Mischung aus Schönheit und Terror.
Die dramatische Spannung wird durch die Behandlung der Körper verschärft. Bouguereau begnügt sich nicht damit, Akte zu malen; er seziert das Leiden. Capocchios Körper bricht zusammen, zertrümmert von der überlegenen Kraft seines Angreifers, während Schicchi von einer dämonischen Energie besessen scheint. Dieser Kampf illustriert Dantes Gesetz des "Contrapasso": Die Sünder erleiden eine Strafe, die die Natur ihrer Verfehlungen widerspiegelt. Hier sind diejenigen, die durch Worte oder Substanzen getäuscht haben, zu einer Bestialität verdammt, die jeder menschlichen Vernunft entbehrt und sie auf den Zustand ewiger Raubtiere reduziert.
Die Anwesenheit von Dante und Vergil im Hintergrund ist entscheidend. Sie verkörpern den moralisierenden Zuschauer. Dante, gekleidet in sein ikonisches rotes Gewand, verbirgt teilweise sein Gesicht, unfähig, den Anblick dieser Bestialität zu ertragen, während Vergil, gelassener, aber ernst, die Vollstreckung der göttlichen Gerechtigkeit beobachtet. Dieser Kontrast zwischen der vertikalen Stabilität der Dichter und dem horizontalen, verschlungenen Chaos der Verdammten unterstreicht die Hierarchie zwischen dem von der Vernunft geleiteten Geist und dem der Sünde überlassenen Fleisch.
Der Entstehungskontext im Jahr 1850 ist der eines jungen Künstlers, der versucht, den Prix de Rome zu gewinnen. Bouguereau möchte seine Meisterschaft in der heroischen Anatomie beweisen, die er von Michelangelo geerbt hat, und ihr gleichzeitig eine für das 19. Jahrhundert typische theatralische Dimension verleihen. Die Dunkelheit der Kulisse, bevölkert von Gespenstern und Dämonen, die in den Schatten grinsen, verstärkt das Eintauchen in eine hoffnungslose Welt. Es ist ein Werk der technischen Kraftdemonstration, das dazu bestimmt war, die Kritiker der Zeit durch seine rohe Gewalt zu beeindrucken.
Schließlich erkundet das Gemälde den Begriff der Grenze. Der Biss, das Zerreißen des Fleisches und die Verzerrung der Gliedmaßen treiben den Akademismus an seine Grenzen. Bouguereau nutzt die technische Perfektion, um das Monströse glaubhaft zu machen. Es ist nicht nur eine literarische Illustration, sondern eine Erkundung der dünnen Linie zwischen Mensch und Tier – ein Thema, das den Romantikern am Herzen lag, die im Inferno einen Spiegel der dunkelsten menschlichen Leidenschaften sahen.
Eines der faszinierendsten Geheimnisse liegt in Bouguereaus anatomischer Inspiration. Um diesen Realismus des gequälten Fleisches zu erreichen, besuchte er das Leichenschauhaus und studierte die Körper von Hingerichteten und Kranken, eine damals unter Historienmalern wie Géricault übliche Praxis. Dies erklärt den olivfarbenen und wächsernen Teint der Haut der Verdammten, der nicht dem Teint gesunder lebender Modelle entspricht, sondern dem von Leichen.
Ein im Schatten verborgenes Kompositionsgeheimnis ist die Figur des geflügelten Dämons im Hintergrund rechts. Dieser Dämon ist nicht nur zur Dekoration da; er trägt ein sardonisches Lächeln und verschränkt die Arme, wobei er die Pose einiger zeitgenössischer Kunstkritiker Bouguereaus nachahmt. Es war eine subtile Art des Künstlers, sich an denen zu rächen, die seine Werke mit Verachtung beurteilten, indem er sie in den Rang böser Zuschauer der Hölle versetzte.
Das Gemälde enthält einen verschlüsselten Hinweis auf Jakobs Kampf mit dem Engel, aber umgekehrt. Während der biblische Kampf eine Suche nach Segen und Licht symbolisiert, ist der Kampf von Schicchi und Capocchio ein Kampf des Fluchs und der Dunkelheit. Bouguereau übernahm die Struktur der heiligen Umarmung und verwandelte sie in eine profane und verschlingende Umarmung, wodurch er die Perversion aller menschlichen Werte in der Hölle betonte.
Ein weiteres Geheimnis betrifft die Rezeption des Werks. Obwohl es heute eines der berühmtesten im Musée d'Orsay ist, wurde es ursprünglich im Salon abgelehnt, da es von einem Teil der Jury als "zu ekelhaft" eingestuft wurde. Bouguereau, verletzt durch diese Kritik, wandte sich daraufhin konsensuelleren und sanfteren Themen zu (seinen berühmten Nymphen und Hirtinnen) und machte dieses Gemälde zum einzigen Zeugen dessen, was seine Karriere hätte sein können, wenn er den Weg der schwarzen Romantik weitergegangen wäre.
Wenn man schließlich den Bereich zwischen den beiden Körpern untersucht, bemerkt man, dass der leere Raum fast eine Art umgekehrte Herzform zeichnet. Dieses makabre Detail deutet darauf hin, dass in dieser Welt des Hasses Liebe nur noch in ihrer korruptesten und gewalttätigsten Form existiert. Es ist eine visuelle Metapher für das völlige Fehlen von Nächstenliebe im Kreis der Fälscher, wo jede Bindung eine Aggression ist.
Premium werden.
FreischaltenQuiz
Welchen bedeutenden bildhauerischen Einfluss nutzt Bouguereau, um die Körperverwindung zu betonen?
Entdecken
