Post-Impressionismus1888
Die Vision nach der Predigt
Paul Gauguin
Das Auge des Kurators
"Das zentrale Element ist der diagonal platzierte Baumstamm, ein direkter Einfluss japanischer Holzschnitte, der als physische und spirituelle Grenze zwischen den Gläubigen und Jakobs Kampf fungiert."
Als Manifest des Synthetismus bricht dieses revolutionäre Werk mit dem Naturalismus durch seinen willkürlichen roten Hintergrund und die brutale Trennung zwischen bretonischer Realität und biblischer Vision.
Analyse
Dieses 1888 in Pont-Aven gemalte Bild markiert einen endgültigen Bruch in der Geschichte der modernen Kunst. Gauguin verzichtet auf die traditionelle Perspektive und Schlagschatten zugunsten eines symbolistischen Ansatzes, bei dem die Farbe eher expressiv als deskriptiv wird. Um zu verstehen, was wir sehen, muss man sich auf die Genesis beziehen: Jakob kämpft eine ganze Nacht lang gegen einen Unbekannten, der sich als Engel Gottes entpuppt. Dieser Mythos symbolisiert die spirituelle Prüfung und die Suche nach Segen durch inneren Kampf. Hier malt Gauguin nicht den historischen Kampf, sondern die mentale Projektion der bretonischen Frauen, nachdem sie die Predigt des Priesters in der Kirche gehört haben.
Die Wahl von Zinnoberrot für den Boden ist ein Akt bedeutender künstlerischer Insubordination. Dieses Rot gehört nicht zur Natur, sondern zum Bereich der Emotion und des Übernatürlichen. Es verwandelt die bretonische Landschaft in eine entflammte mentale Arena. Die Frauen mit ihren monumentalen weißen Hauben und verschlossenen Gesichtern bilden einen antiken Chor, der einer Theophanie beiwohnt. Gauguin verschmilzt hier die bäuerliche Frömmigkeit der Bretagne mit einer radikalen Ästhetik und sucht nach einer Form von spirituellem "Primitivismus" fernab der industriellen Verderbtheit der Städte.
Der Künstler nutzt die Cloisonnismus-Technik, inspiriert von mittelalterlichen Glasmalereien. Die Formen sind schwarz oder dunkelblau umrandet, und die Farbe wird in großen, flachen Bereichen aufgetragen. Diese Methode hebt jede atmosphärische Tiefe auf und zwingt den Betrachter, das Bild als eine mit Symbolen bewohnte flache Oberfläche zu akzeptieren. Gauguin lehnt damit den aus der Renaissance ererbten Illusionismus ab, um zu einer archaischeren und direkteren Essenz des Bildes zurückzukehren.
Dieses Werk spiegelt auch den psychologischen Zustand von Gauguin wider, der sich selbst als Kämpfer und Paria sah. Indem er Jakob und den Engel in die obere rechte Ecke setzt, behandelt er sie fast wie Ideogramme. Der Kampf ist auf einen rituellen Tanz reduziert. Die Anwesenheit der Kuh auf der linken Seite, Symbol des irdischen Lebens, kontrastiert heftig mit der mystischen Inbrunst der rechten Szene.
Eines der bestgehüteten Geheimnisse betrifft die Figur des Mannes am rechten Rand des Bildes, von dem man nur das Profil sieht. Es handelt sich um ein verstecktes Selbstporträt von Paul Gauguin selbst. Indem er sich unter die Gläubigen mischt, positioniert er sich nicht nur als Schöpfer des Bildes, sondern als Eingeweihter, als Augenzeuge der Vision, die er selbst inszeniert hat.
Ein technisches Geheimnis liegt im Ursprung der Figuren von Jakob und dem Engel. Obwohl das Thema biblisch ist, bezog Gauguin seine ikonografische Inspiration aus Skizzen japanischer Sumoringer von Hokusai. Die verrenkten Positionen der beiden Kämpfer sind direkt von Ukiyo-e-Holzschnitten übernommen, was zeigt, wie die orientalische Kunst als Katalysator diente, um westliche Konventionen zu dekonstruieren.
Die Leinwand selbst hat eine Geschichte gewaltsamer Ablehnung. Gauguin hatte ursprünglich vorgeschlagen, sie der kleinen Kirche von Nizon anzubieten. Doch der Pfarrer, erschrocken über das "teuflische" Rot und den Stil, den er als monströs oder kindisch empfand, lehnte das Werk kategorisch ab. Das Geheimnis dieses Gemäldes ist, dass es aus dem Wunsch nach volksnaher Gemeinschaft entstand, um als Manifest der elitärsten Avantgarde zu enden.
Ein weiteres Geheimnis betrifft die rote Fläche. Pigmentanalysen haben gezeigt, dass Gauguin ein damals sehr teures Pigment verwendete, Quecksilberzinnober, das er in dichten Schichten auftrug, um den Raum zu sättigen. Er suchte nach einem Gefühl visueller Unterdrückung. Die Verwendung dieses seltenen Pigments kontrastiert mit dem Elendsleben, das er damals in der Bretagne führte.
Schließlich ist die Kuh auf der linken Seite nicht nur eine Erinnerung an die Bretagne. In der Esoterik, die Gauguin zu studieren begann, ist die Kuh ein Symbol der Mutter Erde. Ihre Platzierung, dem mystischen Kampf den Rücken zuhrend, ist ein ironisches Geheimnis des Künstlers: Die rohe Natur bleibt den spirituellen Qualen der Menschen gegenüber gleichgültig.
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