Fauvismus1905
Die Lebensfreude
Henri Matisse
Das Auge des Kurators
"Beachten Sie den totalen Bruch im Maßstab zwischen den Figuren: Matisse lehnt die einheitliche Perspektive zugunsten einer emotionalen Raumorganisation ab. Die fließenden Kurven und nicht-deskriptiven Farben schaffen einen rein malerischen Raum, in dem die Zeit stillzustehen scheint."
Dieses radikale Meisterwerk des Fauvismus ist eine moderne Arkadien-Darstellung, die Perspektive und Farbe neu erfindet, um eine sinnliche und utopische Harmonie zu feiern. Es ist Matisse' kühne Antwort auf die pastorale Tradition und ebnet den Weg für Picassos kubistische Revolution.
Analyse
Die Analyse dieses Werkes offenbart einen kühnen Versuch, Jahrtausende der Kunstgeschichte auf einer einzigen vibrierenden Oberfläche zu synthetisieren. Matisse eignet sich den Mythos des Goldenen Zeitalters oder Arkadiens an, ein Thema, das in der klassischen Malerei von Poussin oder Ingres geschätzt wurde, sprengt jedoch dessen Regeln. Hier ist die Natur kein bloßes Dekor mehr, sondern eine organische Umgebung, die mit den Körpern verschmilzt. Die Akte, dargestellt bei verschiedenen Vergnügungen – Musik, Tanz, Umarmungen – sind keine Porträts, sondern Vektoren reiner Emotion, befreit von den Zwängen der akademischen Anatomie.
Dieses Gemälde markiert den Höhepunkt des Fauvismus durch die Ablehnung von Modellierung und Schatten. Matisse verwendet flächige, willkürliche Farben: Die Bäume sind violett oder rot, der Boden erstrahlt in einem sonnigen Gelb. Diese „Befreiung“ der Farbe bedeutet, dass der Künstler das Licht nicht so malt, wie es auf die Objekte trifft, sondern sein eigenes inneres Licht durch die Nebeneinanderstellung von Tönen erzeugt. Es ist ein Raum, in dem die Empfindung über die Darstellung triumphiert, ein direkter Übergang zur Abstraktion, die das 20. Jahrhundert dominieren sollte.
Die Verbindung zum Mythos ist wesentlich: Es ist eine Rückkehr zu einer ursprünglichen Unschuld, eine Antwort auf die galoppierende Industrialisierung von 1905. Matisse schlägt eine visuelle Zuflucht vor, eine „Lebensfreude“, die auch eine politische Erklärung zur Freiheit des Körpers und der Sinne ist. Jede Figurengruppe scheint sich in ihrer eigenen zeitlichen Dimension zu bewegen, nur durch die Arabesken der Linien mit den anderen verbunden, die die Komposition wie ein ununterbrochener Lebensfluss durchziehen.
Schließlich kann die historische Bedeutung dieses Werks nicht hoch genug eingeschätzt werden. Als es 1906 im Salon des Indépendants ausgestellt wurde, löste es ein Erdbeben aus. Es wurde als Beleidigung der Tradition wahrgenommen, war aber für die junge Avantgarde eine Offenbarung. Es definierte die Rolle des Malers neu – nicht mehr als Nachahmer der Natur, sondern als Schöpfer von Welten. Ohne dieses Werk hätte der Dialog zwischen Farbe und Form niemals dieses Maß an radikaler Freiheit erreicht.
Eines der faszinierendsten Geheimnisse liegt in der erbitterten Rivalität, die dieses Werk mit Pablo Picasso auslöste. Als Picasso das Gemälde in der Sammlung der Steins sah, war er von Matisse' Kühnheit erschüttert. Man geht davon aus, dass seine direkte Antwort die Schaffung der „Demoiselles d'Avignon“ im Jahr 1907 war. Picasso wollte Matisse auf dem Feld der Moderne buchstäblich „schlagen“, indem er Matisse' harmonische Pastorale in eine aggressive und eckige Dekonstruktion des weiblichen Körpers verwandelte.
Ein weiteres Geheimnis betrifft die Maltechnik. Trotz des fließenden und spontanen Aussehens fertigte Matisse zahlreiche Vorstudien an, darunter eine kleinere Ölversion. Röntgenanalysen ergaben, dass der Künstler lange um die Platzierung des Tanzkreises im Hintergrund rang. Dieses Motiv, das später zu einem seiner berühmtesten Werke, „Der Tanz“, werden sollte, wurde hinzugefügt, um die kreisförmige Energiebewegung im Herzen des Bildes zu verankern.
Der Sammler Albert Barnes, der das Werk erwarb, war so schützend, dass er den Zugang zum Gemälde lange Zeit einschränkte, was es durch sein Fehlen in klassischen Ausstellungszyklen fast legendär machte. Dies trug zur Aura des Mysteriums bei, die das Bild umgibt. Zudem integrierte Matisse versteckte Referenzen auf griechische Keramik und japanische Holzschnitte (Ukiyo-e) in die Umrisse der Figuren, um eine universelle Sprache zu schaffen, die Kulturen und Epochen transzendiert.
Ein ikonographisches Geheimnis liegt in den beiden zentralen liegenden Figuren. Sie werden oft als Darstellung der Verschmelzung der Geschlechter oder einer Form ursprünglicher Androgynität gedeutet, die dem Mythos des Goldenen Zeitalters eigen ist. Matisse verwischt bewusst die Geschlechtergrenzen, um die Universalität des menschlichen Vergnügens zu betonen. Dieser Ansatz war für die damalige Zeit besonders subversiv, da er Nacktheit vom strengen moralischen oder mythologischen Kontext löste und sie in purem sensorischem Genuss verankerte.
Schließlich birgt die Farbpalette selbst ein chemisches Geheimnis. Matisse verwendete einige der neuesten Pigmente seiner Zeit, insbesondere Kadmiumgelb, das leider dazu neigt, mit der Zeit zu oxidieren und nachzudunkeln. Die Leuchtkraft, die wir heute sehen, ist, obwohl immer noch strahlend, nur ein Abglanz der ursprünglichen Glut des Werkes, das Matisse als einen „Sonnenschock“ beschrieb, der den Betrachter durch pure Freude blenden sollte.
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Wie rechtfertigt Matisse auf technischer und ikonographischer Ebene die Verwendung der freien Arabeske und die radikale Verzerrung der Maßstäbe in diesem Werk?
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