Rokoko1777
Der Riegel
Jean-Honoré Fragonard
Das Auge des Kurators
"Die präzise Geste des Liebhabers, der den Riegel vorschiebt, dessen phallische Form an das Chaos der Laken und den Apfel auf dem Tisch erinnert – ein Symbol der Erbsünde."
Dieses Werk, der Höhepunkt der subtilen Erotik des 18. Jahrhunderts, fängt den schicksalhaften Moment ein, in dem Begehren in das Unwiderrufliche kippt.
Analyse
Um 1777 gemalt, markiert "Der Riegel" eine Phase der Reife für Fragonard, in der er sich von den leichten Rokoko-Szenen hin zu einer dunkleren, strukturierteren Dramaturgie bewegte. Der historische Kontext ist die späte Aufklärung, in der das Libertinage nicht mehr nur ein gesellschaftliches Spiel ist, sondern zur Suche nach absoluter, fast tragischer Leidenschaft wird. Das Werk wurde vom Marquis de Véri als Gegenstück zu einem religiösen Werk in Auftrag gegeben.
Die mythologische und symbolische Analyse des Werks ist allgegenwärtig. Obwohl es sich um eine zeitgenössische Genreszene handelt, wird hier der Sündenfall-Mythos neu interpretiert. Der Apfel auf dem Beistelltisch links ist kein bloßes dekoratives Element; er verweist direkt auf die verbotene Frucht von Eden. Das Schlafzimmer wird zum Schauplatz einer neuen Erbsünde. Die Psychologie des Werks beruht auf der Ambiguität des Einverständnisses.
Technisch verwendet Fragonard einen schwungvollen, aber beherrschten Pinselstrich. Die Lichtführung ist meisterhaft und erinnert an Rembrandts Einfluss. Eine einzige Lichtquelle von links trifft heftig auf den Satin des Kleides und das Gesicht des Mannes. Texturen werden mit taktiler Virtuosität wiedergegeben: der schwere Samt der karmesinroten Vorhänge und die Weichheit der zerknitterten Stoffe erzeugen eine erstickende, sinnliche Atmosphäre.
Schließlich untersucht das Werk das Vergehen der Zeit. Das Verriegeln der Tür markiert das Ende der Verhandlung und den Beginn des Aktes. Die tiefen, gequälten Falten des Bettes nehmen die Erregung der Körper vorweg. Fragonard verwandelt eine galante Anekdote in ein universelles Drama über menschliches Begehren und die freiwillige Gefangenschaft in der Leidenschaft.
Ein faszinierendes Geheimnis, das durch Infrarotanalysen enthüllt wurde, betrifft die Struktur der Vorhänge. Die Form des roten Vorhangs links wurde oft als metaphorische Darstellung der weiblichen Anatomie interpretiert. Noch beunruhigender ist die Vermutung einiger Forscher, dass das Profil des Liebhabers ein idealisiertes Selbstporträt des Malers sein könnte, der seine eigenen Fantasien in diese Inszenierung projizierte.
Eine wenig bekannte Anekdote verbindet diese Leinwand mit ihrer versteckten moralischen Dimension. Obwohl es als erotisch gilt, diente das Werk als Warnung vor unvorsichtiger Liebe. Die umgestürzte Vase und die verstreuten Blumen symbolisieren traditionell den Verlust der Jungfräulichkeit. Die Dualität mit dem religiösen Gegenstück zeigt, dass Fragonard in diesen Extremen die zwei Seiten der menschlichen Seele sah.
Jüngste Pigmentstudien haben gezeigt, dass Fragonard extrem teure rote Lacke verwendete, um diese Tiefe von Blut und Leidenschaft zu erreichen. Der Kontrast zwischen Blutrot und dem jungfräulichen Weiß des Kleides erzeugt eine chromatische Spannung, die die Erregung des Augenblicks simuliert. Dieses Bild ist eine sensorische Erfahrung, die darauf ausgelegt ist, das Auge ebenso wie den Geist des Betrachters des 18. Jahrhunderts zu beunruhigen.
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