Impresionismo1876
Baile en el Moulin de la Galette
Pierre-Auguste Renoir
El ojo del conservador
"Renoir revoluciona aquí la pintura de género al inmortalizar a sus propios amigos en una escena de vida popular, donde las manchas de luz solar que atraviesan las acacias se convierten en el tema principal del lienzo."
Obra maestra absoluta del impresionismo, este cuadro captura la efervescencia alegre de una tarde de fiesta en Montmartre, bañada por una luz vibrante y fragmentada.
Análisis
El Bal du moulin de la Galette, presentado en la exposición impresionista de 1877, es mucho más que una simple escena de baile; es una celebración de la vida moderna y de la felicidad efímera. En aquella época, la colina de Montmartre no era todavía el barrio turístico actual, sino un pueblo popular donde se iba a beber vino barato y comer galettes. Renoir, con su pincel, transforma esta realidad social en una visión idílica, casi mitológica, de la juventud y la alegría parisina de finales del siglo XIX.
Para comprender lo que vemos, hay que fijarse en la ausencia de contornos definidos. Renoir rechaza las reglas académicas para privilegiar la sensación térmica y luminosa. Los cuerpos no están estáticos, parecen vibrar al ritmo de la música. Los personajes del primer plano, aunque más detallados, también están invadidos por esas famosas "manchas solares" que escandalizaron a la crítica de la época, que veía en ellas "manchas de putrefacción" en la ropa.
El análisis del experto revela que Renoir pintó esta obra en gran parte en el lugar, a pesar de su formato monumental de 1,31 metros por 1,75 metros. Fue un tour de force logístico: transportar un lienzo de este tamaño en medio de los bailarines para capturar la luz exacta de la tarde del domingo. Este enfoque demuestra el compromiso radical del artista con la observación directa de la naturaleza y la atmósfera.
El cuadro funciona como un panorama social. En él se encuentran pintores (Franc-Lamy, Norbert Goeneutte), escritores (Rivière) y modelos célebres de la época como la joven Estelle, sentada en primer plano. Esta mezcla entre la élite intelectual y el pueblo de Montmartre encarna la utopía impresionista: una fusión de clases sociales a través del placer, la luz y el arte. Es una respuesta solar a los traumas aún recientes de la guerra franco-prusiana y la Comuna.
Finalmente, la obra trata del movimiento perpetuo. Nada está en reposo. Las miradas no se cruzan directamente, creando una dinámica de vagabundeo visual. Se invita al espectador a perderse entre la multitud, a pasar de un grupo a otro, como si participara él mismo en el baile. Renoir no pinta un evento, pinta el sentimiento mismo de la fiesta: el olor del polvo levantado por los pies y el calor de la luz filtrada por las hojas.
El primer secreto reside en la existencia de una segunda versión, mucho más pequeña, de este mismo cuadro. Durante mucho tiempo se debatió cuál era el estudio y cuál la obra final. Resultó que la versión pequeña es probablemente la que Renoir llevaba consigo al campo, mientras que la grande se terminó en el taller. La versión pequeña se vendió en 1990 por 78 millones de dólares, lo que la convertía en una de las telas más caras del mundo en ese momento.
Un secreto técnico fundamental concierne a la paleta de Renoir. Contrariamente a la creencia popular, Renoir nunca utiliza negro puro. Las zonas de sombra, las chaquetas de los hombres y las cintas de los sombreros están compuestas en realidad por azules profundos, violetas y verdes oscuros. Esta elección es deliberada: el negro "mata" la luz, mientras que el azul la hace vibrar. Es este secreto cromático el que otorga al cuadro esa luminosidad interior tan particular.
El secreto de la "mujer cortada": en el borde izquierdo del cuadro, una figura femenina es cortada bruscamente por el marco. No es un error de composición, sino una influencia directa de la fotografía y de la estampa japonesa. Al cortar las figuras, Renoir sugiere que la escena continúa mucho más allá de los límites físicos del lienzo, reforzando la impresión de instantánea fotográfica y de vida desbordante.
Un secreto de camaradería se esconde entre los modelos. El hombre en primer plano de espaldas, que charla con las mujeres, es el pintor Franc-Lamy. A su lado se encuentra el escritor Georges Rivière. Renoir utilizó a sus amigos más cercanos porque no tenía medios para pagar modelos profesionales para una obra tan vasta. El cuadro es, por tanto, un homenaje íntimo al círculo de los impresionistas que se apoyaban mutuamente en la precariedad.
Finalmente, los exámenes radiográficos revelaron que Renoir modificó varias veces la posición de las piernas de los bailarines para acentuar el efecto de giro. Bajo la capa pictórica actual, se descubren arrepentimientos que muestran que el equilibrio visual fue extremadamente trabajado para parecer, paradójicamente, totalmente espontáneo. Este "caos organizado" es el resultado de un cálculo artístico riguroso destinado a imitar la fluidez del azar.
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¿Qué efecto de iluminación intentaba captar Renoir en esta concurrida escena al aire libre?
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