Bailarinas azules

Realizada hacia 1897, esta obra pertenece a la fase final de la carrera de Degas, marcada por una casi ceguera que lo empuja hacia una libertad gestual sin precedentes. El tema ya no es la actuación en el escenario, sino el "entreacto", el momento de tensión donde los cuerpos se ajustan antes de entrar en la luz. Las cuatro bailarinas, aunque distintas, parecen ser descomposiciones sucesivas de un mismo movimiento, un estudio casi fotográfico de la torsión y la gracia bajo tensión. El uso del azul no es puramente descriptivo; se convierte en un tema en sí mismo. Degas se aleja del impresionismo clásico para explorar una forma de simbolismo cromático donde el color satura el espacio. Ya no vemos solo a jóvenes, sino una armonía de tonos fríos realzada por los reflejos cálidos de las cabelleras pelirrojas, creando un contraste térmico impactante que anima la superficie del papel. El contexto social de las "pequeñas ratas de la Ópera" trasluce en la fatiga de los cuerpos. Degas, observador implacable, no busca la idealización. Capta los gestos mecánicos: una ajusta su tirante, otra revisa su zapatilla. Es esta humanidad trivial, magnificada por el esplendor del color, lo que constituye la fuerza de Degas. Desnuda el mito de la bailarina para conservar solo la mecánica corporal y la emoción plástica. Finalmente, la influencia de la fotografía y de las estampas japonesas se lleva aquí al paroxismo. El encuadre cerrado, que corta miembros y rostros, crea un sentimiento de inmediatez y voyerismo. El espectador se sitúa en el corazón del grupo, compartiendo la intimidad asfixiante de los camerinos. Es esta ruptura con la perspectiva tradicional lo que sitúa a Degas como uno de los padres de la modernidad artística.