Fauvismo1905
La gioia di vivere
Henri Matisse
L'occhio del conservatore
"Si noti la rottura totale di scala tra le figure: Matisse rifiuta la prospettiva unica per un'organizzazione emotiva dello spazio. La fluidità delle linee curve e i colori non descrittivi creano uno spazio puramente pittorico dove il tempo sembra sospeso."
Capolavoro radicale del fauvismo, questa moderna Arcadia reinventa la prospettiva e il colore per celebrare un'armonia sensuale e utopica. È la risposta audace di Matisse alla tradizione pastorale, che apre la strada alla rivoluzione cubista di Picasso.
Analisi
L'analisi di quest'opera rivela un audace tentativo di sintetizzare millenni di storia dell'arte in un'unica superficie vibrante. Matisse si appropria del mito dell'Età dell'Oro o dell'Arcadia, un tema caro alla pittura classica di Poussin o Ingres, ma ne dinamita i codici. Qui, la natura non è più un decoro ma un ambiente organico che si fonde con i corpi. I nudi, rappresentati in varie attività di piacere — musica, danza, abbracci — non sono ritratti ma vettori di pura emozione, liberati dai vincoli dell'anatomia accademica.
Questa tela segna l'apice del fauvismo attraverso il suo rifiuto del modellato e dell'ombra. Matisse utilizza campiture di colori arbitrari: gli alberi sono viola o rossi, il suolo è di un giallo solare brillante. Questa "liberazione" del colore significa che l'artista non dipinge la luce così come colpisce gli oggetti, ma crea la sua luce interna attraverso la giustapposizione dei toni. È uno spazio dove la sensazione prevale sulla rappresentazione, una transizione diretta verso l'astrazione che dominerà il XX secolo.
Il legame con il mito è essenziale: è un ritorno a un'innocenza primordiale, una risposta alla rapida industrializzazione del 1905. Matisse propone un rifugio visivo, una "Gioia di vivere" che è anche una dichiarazione politica sulla libertà del corpo e dei sensi. Ogni gruppo di figure sembra evolversi nella propria dimensione temporale, collegato agli altri solo dall'arabesco di linee che percorrono la composizione come un flusso vitale ininterrotto.
Infine, l'importanza storica di quest'opera non può essere sopravvalutata. Quando fu esposta al Salon des Indépendants nel 1906, causò un terremoto. Fu percepita come un insulto alla tradizione, ma per la giovane avanguardia fu una rivelazione. Ridefinì il ruolo del pittore non più come imitatore della natura, ma come creatore di mondi. Senza questa tela, il dialogo tra colore e forma non avrebbe mai raggiunto questo livello di libertà radicale.
Uno dei segreti più affascinanti risiede nella feroce rivalità che quest'opera ha scatenato con Pablo Picasso. Quando Picasso vide la tela nella collezione degli Stein, rimase sbalordito dall'audacia di Matisse. Si ritiene che la sua risposta diretta sia stata la creazione di "Les Demoiselles d'Avignon" nel 1907. Picasso voleva letteralmente "battere" Matisse sul campo della modernità, trasformando la pastorale armoniosa di Matisse in una decostruzione aggressiva e angolare del corpo femminile.
Un altro segreto riguarda la tecnica pittorica. Nonostante l'aspetto fluido e spontaneo, Matisse realizzò numerosi studi preparatori, tra cui una versione a olio più piccola. Le analisi ai raggi X hanno rivelato che l'artista lottò a lungo con il posizionamento del cerchio di danzatori sullo sfondo. Questo motivo, che sarebbe poi diventato una delle sue opere più celebri, "La Danza", fu aggiunto per ancorare il movimento circolare dell'energia al cuore del quadro.
Il collezionista Albert Barnes, che acquistò l'opera, era così protettivo che limitò a lungo l'accesso alla tela, rendendola quasi leggendaria per la sua assenza dai circuiti espositivi classici. Ciò ha contribuito all'aura di mistero che circonda il dipinto. Inoltre, Matisse integrò riferimenti nascosti alla ceramica greca e alle stampe giapponesi (Ukiyo-e) nel contorno delle figure, cercando di creare un linguaggio universale che trascenda culture ed epoche.
Un segreto iconografico risiede nelle due figure centrali sdraiate. Sono spesso interpretate come una rappresentazione della fusione dei sessi o di una forma di androginia primordiale propria del mito dell'Età dell'Oro. Matisse sfuma deliberatamente il genere per sottolineare l'universalità del piacere umano. Questo approccio era particolarmente sovversivo per l'epoca, poiché distaccava la nudità dal contesto morale o mitologico rigoroso per ancorarla al puro godimento sensoriale.
Infine, la stessa tavolozza di colori nasconde un segreto chimico. Matisse utilizzò alcuni dei pigmenti più recenti dell'epoca, tra cui i gialli di cadmio che, sfortunatamente, tendono a ossidarsi e scurirsi nel tempo. La luminosità che vediamo oggi, sebbene brillante, è solo un riflesso dell'incandescenza originale dell'opera, che Matisse descriveva come uno "shock solare" destinato ad abbagliare lo spettatore con pura gioia.
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A livello tecnico e iconografico, come giustifica Matisse l'uso dell'arabesco sciolto e la radicale distorsione delle scale in quest'opera?
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