Postimpressionisme1897
Waar komen we vandaan? Wie zijn we? Waar gaan we heen?
Paul Gauguin
Het oog van de conservator
"Het werk valt op door het uitzonderlijke friesformaat en de geel geschilderde bovenhoeken met de titel en handtekening, waardoor een oud muurfresco met afgebladderde hoeken wordt geïmiteerd."
Dit monumentale meesterwerk, een waar filosofisch testament geschilderd op jute, synthetiseert Gauguins zoektocht naar een verloren paradijs en zijn existentiële angst voor de dood. Van rechts naar links volgt de kunstenaar de cyclus van het menselijk leven in een dromerige Tahitiaanse setting.
Analyse
Geschilderd in 1897 in een staat van absolute wanhoop, werd dit werk door Gauguin geconcipieerd als zijn ultieme nalatenschap voor een zelfmoordpoging met arsenicum. De kunstenaar ontvouwt hier een persoonlijke kosmogonie waarin het heilige en het profane met elkaar verweven zijn. De cyclus begint rechts met een slapende pasgeborene, bewaakt door Tahitiaanse vrouwen, wat onschuld en de oorsprong symboliseert. In het midden plukt een androgyn figuur een vrucht, wat herinnert aan de mythe van de zondeval maar herinterpreteerd wordt in een pantheïstisch perspectief waarin de mens communiceert met een weelderige en mysterieuze natuur.
De iconografische analyse onthult een versmelting van lokale Polynesische geloofsovertuigingen met westerse archetypen. De aanwezigheid van een blauw idool op de achtergrond, dat de godheid Hina voorstelt, onderstreept Gauguins interesse in Tahitiaanse theogonieën en het voortbestaan van de ziel. De personages lijken te zweven in een ruimte zonder klassiek perspectief, wat de dromerige and tijdloze dimensie van de scène versterkt. Dit is geen eenvoudige weergave van Tahiti, maar een allegorie van de gehele mensheid, verloren in de overweging van haar eigen mysteries.
De kunstenaar gebruikt een palet dat gedomineerd wordt door diepe blauw- en groentinten die contrasteren met de oranje lichamen, waardoor een atmosfeer van metafysische schemering ontstaat. Elk figuur lijkt geïsoleerd in zijn eigen reflectie, wat de fundamentele eenzaamheid van het zijn illustreert. De oude vrouw links, ineengedoken en nabij de dood, sluit de cyclus die door het kind is begonnen. Ze wordt vergezeld door een vreemde witte vogel die een hagedis vasthoudt, symbool voor de zinloosheid van woorden tegenover het grote mysterie van het einde.
Ten slotte markeert dit doek het hoogtepunt van het synthetisme. Gauguin vereenvoudigt vormen, gebruikt kleurvlakken en verwerpt het naturalisme om een diepere, meer spirituele waarheid te bereiken. Het is een picturale schreeuw die de plaats van de mens in het universum bevraagt, een visuele meditatie die de grenzen van de kunst overstijgt om de pure filosofie te raken. De ruwe textuur van de jute, gekozen uit noodzaak evenzeer als uit liefde voor het primitivisme, voegt een rauwe materialiteit toe aan deze spirituele boodschap.
Het meest aangrijpende geheim ligt in de fysieke staat van het doek. Gauguin, die nauwelijks middelen had, gebruikte grove jute die normaal gesproken diende voor het maken van zakken. Dit onregelmatige materiaal vol knopen dwong de kunstenaar zijn toets aan te passen, waardoor het schilderij het uiterlijk kreeg van een antiek fresco dat de tijd heeft overleefd. Hij beschouwde dit werk als zo volmaakt dat hij beweerde nooit beter te kunnen doen, en beschreef het als het resultaat van een "mathematische koorts".
Een ander geheim betreft de leesrichting van het werk. In tegenstelling tot de westerse traditie moet het schilderij van rechts naar links gelezen worden. Gauguin liet zich hier inspireren door oosterse rollen en de bas-reliëfs van Khmer-tempels die hij op de wereldtentoonstelling van 1889 had bestudeerd. Deze omgekeerde leesrichting dwingt de toeschouwer zijn visuele gewoonten te deconstrueren om binnen te treden in de cyclische tijd van het primitieve leven, tegenover de lineaire tijd van de Europese industriële vooruitgang.
Het centrale personage, vaak beschreven als een vrouw, is in werkelijkheid opzettelijk androgyn. Deze keuze weerspiegelt Gauguins fascinatie voor de oorspronkelijke eenheid van de seksen, een concept dat aanwezig is in veel primitieve mythen. Dit wezen is noch Adam noch Eva, maar een weergave van de mensheid op haar hoogtepunt, nog verbonden met de bronnen van het leven voordat de beschaving haar dualiteiten en taboes oplegde.
Ten slotte mislukte de zelfmoordpoging die volgde op de voltooiing van het doek omdat de ingenomen dosis arsenicum te sterk was, wat een onmiddellijke afstoting door zijn maag veroorzaakte. Gauguin overleefde zijn eigen testament, veroordeeld om te leven met de aanstaande postume glorie van dit werk. Het "chroomgeel" dat in de hoeken voor de titel werd gebruikt, was ook een gedurfde keuze, omdat dit pigment bekend stond om het donkerder worden na verloop van tijd, een risico dat Gauguin accepteerde als integraal onderdeel van het organische leven van zijn werk.
Word Premium.
OntgrendelenQuiz
De narratieve structuur van dit monumentale fries wijkt af van de westerse conventies. Wat is de bijzondere leesrichting en welke grote invloed verraadt dit?
Ontdekken
