Barroco1645
O Jovem Mendigo
Bartolomé Esteban Murillo
O olhar do curador
"Um jovem sentado sozinho num canto escuro cata os seus piolhos, rodeado por uma luz lateral que realça os seus pés sujos, restos de comida e uma jarra de barro."
Obra-prima do naturalismo espanhol, esta tela transcende a miséria social através de um domínio sublime do chiaroscuro, capturando a intimidade de uma criança de rua de Sevilha com uma dignidade inédita.
Análise
Pintado por volta de 1645-1650, "O Jovem Mendigo" insere-se no doloroso contexto da Sevilha do século XVII, assolada pela peste, pela fome e pelo declínio económico do Império Espanhol. Murillo, até então conhecido pelas suas obras religiosas etéreas, surpreende com esta escolha de um tema profano. Inspira-se na tradição literária picaresca, muito popular na época, que apresenta pícaros e órfãos sobrevivendo pelo seu engenho. No entanto, ao contrário dos seus contemporâneos que frequentemente caricaturam a pobreza, Murillo trata o seu tema com uma empatia que prefigura o realismo moderno.
A obra não se baseia num contexto mitológico clássico, mas numa crua realidade social que se torna um "mito do quotidiano". A criança é o símbolo da inocência corrompida pelo abandono, mas conserva uma forma de nobreza natural. A explicação histórica reside na influência dos Franciscanos, próximos de Murillo, que pregavam a caridade e viam no pobre uma imagem de Cristo. Assim, a obra funciona como um lembrete moral para os espectadores abastados: a miséria não é um crime, mas uma condição humana que reclama a compaixão cristã.
Tecnicamente, Murillo utiliza um tenebrismo suavizado, herdado de Caravaggio mas reinterpretado com um toque mais vaporoso. A luz, proveniente de uma janela alta invisível à esquerda, esculpe os volumes de maneira dramática, deixando o fundo numa obscuridade impenetrável. A textura dos tecidos rasgados e o tom mate da jarra de barro (o "búcaro") demonstram uma virtuosidade na representação dos materiais. As nuances de castanho, ocre e branco sujo criam uma harmonia cromática sóbria que reforça a austeridade e a verdade da cena.
Psicologicamente, a obra é de uma complexidade comovente. A criança está absorta na sua tarefa, um gesto trivial e solitário que acentua o seu isolamento. O seu rosto, meio na sombra, não expressa nem queixa nem revolta, mas uma resignação silenciosa. Murillo consegue capturar um instante de descanso numa vida de luta, transformando o acto de se catar numa meditação sobre a fragilidade da existência. É esta capacidade de enobrecer o trivial que coloca Murillo no topo da arte europeia do seu tempo.
Um dos segredos mais fascinantes revelados pelas análises radiográficas recentes é que Murillo reutilizou uma tela. Sob a camada pictórica do mendigo, foram descobertos vestígios de um desenho preparatório para uma composição religiosa, provando que o artista teve de adaptar os seus materiais durante um período de restrição financeira ou urgência criativa. Além disso, os detalhes dos camarões e das frutas no canto esquerdo não estão ali por acaso; simbolizam os prazeres efémeros e contrastam violentamente com a pobreza do rapaz, sugerindo que mesmo na indigência restam vestígios de uma vida melhor.
Outro mistério reside na identidade do comitente. Pensou-se durante muito tempo que a obra era destinada a um mercador flamengo, pois este tipo de tema realista era muito apreciado no Norte da Europa, muito mais do que em Espanha naquela época. As análises científicas dos pigmentos mostram uma utilização significativa de terras naturais de Sevilha, ancorando a obra fisicamente no seu solo natal. O "búcaro" (a jarra) é, aliás, um objecto típico da Andaluzia, frequentemente utilizado para refrescar a água mas também consumido em pequenos pedaços pelas mulheres da época pelas suas supostas virtudes medicinais.
Finalmente, o detalhe dos pés sujos deu muito que falar. Na época, apresentar tal sujidade era considerado uma audácia estilística sem precedentes. Alguns viram nisso uma influência directa de Ribera, o mestre do realismo bruto. No entanto, em Murillo, esta sujidade é tratada com tal suavidade pictórica que perde o seu carácter repugnante para se tornar parte integrante da verdade poética da obra. É um segredo de "beleza no feio" que os críticos do século XIX redescobriram com paixão.
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