L'orchestra dell'Opéra

L'analisi approfondita di questa tela rivela l'ossessione di Degas per la modernità e la sua volontà di rompere con le convenzioni accademiche. Dipinto intorno al 1870, questo quadro non è solo una scena di genere, è uno studio psicologico della vita urbana parigina. Degas rifiuta il ritratto in posa a favore dell'istantanea. Lo stile è segnato da una precisione quasi fotografica nella resa degli strumenti e dei volti, contrastando con la sfocatura suggestiva della scenografia. Il contesto storico è quello dell'Opéra Le Peletier, prima che fosse distrutta da un incendio. Degas, frequentatore dei retroscena, cerca di catturare "l'altro lato della scena". Non si tratta di un'orchestra completa, ma di un sapiente montaggio di ritratti. La tecnica di Degas, che utilizza strati di pittura sottili ma densi, permette di rendere la trama del legno degli strumenti e la brillantezza degli smoking neri. La luce proviene dal palco, creando riflessi invertiti sulle fronti. Sul piano mitologico e simbolico, sebbene l'opera sia realista, evoca una moderna discesa agli inferi. La buca è uno spazio sotterraneo, buio e affollato, dove i musicisti, come operai dell'arte, sostengono con il loro sforzo il mondo celeste delle danzatrici. È una riflessione sulla gerarchia delle arti e dei sessi nel XIX secolo. La psicologia dell'opera risiede nell'isolamento di ogni musicista nonostante la vicinanza fisica. Infine, quest'opera segna la crescente influenza delle stampe giapponesi su Degas. L'inquadratura audace, dove gli oggetti sono tagliati netti ai bordi della tela, crea una sensazione di prolungamento dello spazio oltre la cornice. Questo costringe lo spettatore a immergersi nella buca, condividendo la ristrettezza e il tumulto dell'orchestra. Degas trasforma una commissione amichevole in un manifesto estetico sulla visione frammentata del mondo moderno.