Fauvismo1910
A Dança
Henri Matisse
O olhar do curador
"O vermelho dionisíaco dos corpos destaca-se contra o azul do céu e o verde da colina. Observe a rutura do círculo no canto inferior esquerdo: este vazio convida o espectador a juntar-se à dança."
Ícone da modernidade, esta tela monumental encarna a apoteose do fauvismo. Através de três cores primárias e cinco corpos em movimento, Matisse capta a essência primitiva da vida e do ritmo universal.
Análise
A análise estilística de *A Dança* revela a vontade de Matisse de simplificar a expressão até ao arquétipo. Encomendada pelo colecionador russo Sergei Shchukin para o seu palácio em Moscovo, a obra nasce num contexto de rutura radical com o naturalismo académico. Matisse utiliza o estilo "fauve" não para descrever uma realidade ótica, mas para traduzir uma emoção pura. A escolha de três cores — vermelho para a carne, azul para o cosmos e verde para a terra — reduz o mundo aos seus componentes elementares. Esta economia de meios é uma busca do absoluto onde a cor se torna a própria estrutura do espaço.
O contexto mitológico e histórico bebe das fontes da Antiguidade e do primitivismo. Matisse inspira-se nas danças de aldeia de Collioure, mas transcende-as para evocar as bacanais antigas e a Idade do Ouro. Há uma ressonância direta com o mito de Dionísio, deus da embriaguez e do êxtase coletivo. Os corpos não têm traços distintivos; são forças vitais, entidades genéricas que celebram a ligação primordial entre o homem e a natureza. A psicologia da obra é a do abandono de si: os dançarinos perdem a sua individualidade no ritmo do grupo, criando uma harmonia que roça o transe espiritual.
A técnica de Matisse baseia-se num traço de uma flexibilidade extraordinária, onde a linha parece ditada pelo próprio movimento dos corpos. A pintura é aplicada em grandes planos (aplats), sem claro-escuro, eliminando toda a profundidade tradicional. Esta planicidade radical chocou os contemporâneos em 1910, mas libertou a tela de ser uma janela para o mundo para torná-la uma superfície decorativa e expressiva autónoma. O artista procura alcançar o "essencial" eliminando os detalhes supérfluos, uma abordagem que prefigura a abstração.
Finalmente, a obra deve ser entendida como um desafio à verticalidade. Matisse desestabiliza o horizonte: o verde da colina curva parece ser uma porção de um globo terrestre em rotação. Esta sensação de movimento perpétuo é reforçada pela intensidade vibratória das cores complementares. O vermelho parece avançar para o espectador enquanto o azul recua, criando uma respiração espacial que confere à tela a sua monumentalidade. É uma meditação visual sobre a fraternidade.
Um dos segredos mais fascinantes reside na paleta de cores original. Análises recentes revelaram que o vermelho dos corpos era inicialmente mais próximo do vermelhão, mas Matisse retrabalhou as tonalidades para obter este ocre vermelho ardente. Outro segredo diz respeito à rutura do círculo no canto inferior esquerdo: longe de ser um descuido, essa mão que não agarra a outra é um dispositivo psicológico. Matisse colocou-a deliberadamente ali para quebrar a perfeição do círculo e criar uma tensão que projeta o movimento para o exterior do quadro.
Análises radiográficas mostraram que Matisse procedeu a numerosos ajustes de contorno diretamente na tela. Ainda se podem ver os "arrependimentos" ou traços de carvão sob a camada de tinta, provando que esta aparente simplicidade é fruto de um trabalho árduo de equilíbrio. Além disso, a obra original foi exposta no Salon d'Automne de 1910, onde foi recebida com risos e insultos; a crítica chamou-lhe um "rabisco cacofónico". O próprio Shchukin esteve prestes a desistir da compra.
Um segredo mais íntimo liga esta obra à música. Matisse tocava violino todos os dias e considerava a sua pintura como uma partitura musical. Diz-se que o ritmo da roda é uma transposição visual de *A Sagração da Primavera* de Stravinsky. A analogia entre o traço contínuo e a melodia está no cerne do seu processo criativo. Finalmente, o rosto da figura na extremidade esquerda mostra uma distorção que sugere um esforço físico extremo, um toque de realismo brutal num conjunto idealizado.
O destino da obra é romanesco. Durante a Revolução Russa, a coleção Shchukin foi nacionalizada. *A Dança* foi escondida e quase esquecida antes de ser redescoberta como um pilar da arte moderna mundial. A sua sobrevivência ao regime soviético, que condenava a arte "formalista", é quase um milagre. Hoje, microfissuras no azul revelam a fragilidade da camada pigmentária, um desafio constante para os restauradores do Hermitage que lutam para preservar o brilho do céu matissiano.
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